O Homem Que Sabia Demasiado

"O Pássaro Pintado"

2012-02-01T22:03:00.007Z

Sobre este livro disse o realizador espanhol Luis Buñuel: "Talvez o livro que mais me tenha impressionado". Por seu lado, o famoso escritor Arthur Miller afirmou: "Um feito literário muito importante e muito difícil de conseguir".

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Editado em Portugal pela editora Livros de Areia, "O Pássaro Pintado" é um livro originalmente editado em 1965 por Jerzy Kosinski (1933-1991), escritor de origem polaca que sobreviveu durante a 2ª Guerra Mundial, ocultando a sua identidade judaica no seio de uma família católica polaca. Esta obra literária granjeou-lhe imensa notoriedade no meio literário, e nos anos seguintes tornar-se-ia uma das figuras de vanguarda pelo seu trabalho no mundo das artes e letras como professor, ensaísta, fotógrafo, argumentista de cinema e romancista. Suicidou-se em 1991.

O livro de Kosinski é baseado nas memórias de infância do próprio autor e retrata as deambulações de uma criança que foi deixada ao cuidado alheiro durante a Guerra, numa aldeia recôndita da Polónia. A velhota responsável morre, e o rapaz vê-se sozinho ao frio, em busca de abrigo e de alimento. Sucessivamente marginalizado pela sua tez morena entre os aldeões loiros de olhos azuis, vai sofrendo vários actos de agressividade perversa. O livro tem passagens duras, de grande sofrimento e de uma tristeza latente. A escrita é fluída, quase cinematográfica, de grande rigor e precisão narrativa.

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"O Pássaro Pintado" daria um excelente argumento para um filme sobre os horrores da 2ª Guerra Mundial, muito ao estilo de filmes como "A Infância de Ivan" (1962) de Andrei Tarkovski ou "Vem e Vê" (1985) de Elem Klimov, dois filmes espantosos que retratam o sofrimento cruel vivido por crianças durante o horror nazi.

Seja como for, a obra literária de Kosinski vale por si própria - ainda por cima com ilustrações originais do consagrado ilustrador João Maio Pinto - e é altamente recomendável a sua leitura.

Philip Glass - 75 anos

2012-01-31T23:16:00.005Z

Hoje é o dia dos 75º aniversário de um dos meus compositores contemporâneos favoritos (e já muitas vezes citados neste blog - tem 45 entradas): Philip Glass.

Amado e odiado em igual medida, como quase todos os grandes artistas o são, Philip Glass é um compositor que atravessou as últimas quatro décadas com espantosa capacidade de reinvenção criativa. Inicialmente conotado com o minimalismo, Glass inovou e conseguiu trilhar um caminho musical único com base numa linguagem estética assente numa forte identidade artística.

A sua vasta e diversificada obra é prova de um trabalho intenso e ecléctico, com peças para orquestra, teatro, ensemble, óperas, documentários, bailado, exposições e filmes de ficção. Em 2007, quando Philip Glass completou 70 anos, o realizador Scott Hicks (o mesmo que fez "Shine" (1996) sobre o pianista esquizofrénico David Helffgot) acompanhou-o durante mais de um ano para a realização de um documentário sobre o compositor.

Deste trabalho resultou o muito interessante filme "Glass: a Portrait of Philip in Twelve Parts", um magnífico documentário que revela o método criativo de Glass, a sua relação com os seus músicos, assim como os seus momentos familiares mais recatados. Um documentário honesto e descomprometido que faz justiça à grandeza artística do autor de algumas das bandas sonoras mais memoráveis dos últimos 25 anos.

Kubrick vs Scorsese

2012-01-30T23:14:00.005Z

Depois de passar 25 dias a ver os 34 filmes de Stanley Kubrick e Martin Scorsese, um cinéfilo chamado Leandro Copperfiled aventurou-se numa minuciosa montagem com 500 das mais emblemáticas cenas das filmografias de ambos.

Um trabalho que lhe levou muitas horas mas que resultou numa belíssima homenagem que é também uma amostra incrível das melhores imagens que Kubrick e Scorsese nos deixaram (Scorsese até à data).

Claustrofobia num elevador

2012-01-30T18:20:00.015Z

Ainda há surpresas: na minha última investida na Fnac, comprei um DVD (por uns irrisórios 5€) que não conhecia mas que me suscitou muita curiosidade: "Lady in a Cage" (1964) realizado por um tal Walter Grauman.

O título português é bombástico: "Bárbaros do Século XX", e a capa referia que se tratava de um "soberbo filme-choque", com a participação de um jovem James Caan (no seu primeiro papel importante no cinema). Foram motivos suficientes para comprar o DVD.

O filme conta com a excelente actriz Olivia de Havilland, duas vezes vencedora de um Óscar (ainda é viva com 95 anos!), lançada para o estrelato em 1938 com "As Aventuras de Robin Hood"). Sozinha na sua residência durante um fim-de-semana de intenso calor, uma viúva (Olivia de Havilland) vê-se acidentalmente presa no elevador que tem dentro de casa, devido a uma falha de electricidade.

A partir deste ponto, o seu mundo meticuloso e bem organizado é posto em causa quando o elevador, parado três metros acima do chão, se torna uma claustrofóbica câmara de tortura - uma verdadeira jaula. Incapaz de se libertar, a sua situação torna-se desesperada quando o alarme de emergência atrai uma mão cheia de indesejáveis intrusos - um alcoólico e a sua amiga prostituta, bem como um trio de jovens delinquentes (liderados por um notável e quase adolescente James Caan), que embarcam numa espiral de vandalismo e brutalidade que culmina em violência e mortes.

O ponto de partida para este filme de suspense propicia situações de grande angústia e desespero, com a invasão da casa por parte dos assaltantes e delinquentes. James Caan é soberbo no papel de líder tresloucado de um bando de delinquentes sem códigos de honra. Olivia de Havilland é magnífica na forma como encena a sua própria claustrofobia e a tensão crescente. A realização é fenomenal no modo como enquadra os planos, a montagem e alterna movimentos de câmara surpreendentes.

"Lady in a Cage" foi proibido em Inglaterra pela sua violência e brutalidade. É compreensível no ano em que foi feito, 1964, mas aos olhos do espectador de hoje já não choca. No entanto, não deixa por isso de ser um belíssimo exercício de suspense na esteira de um "Psycho" de Hitchcock que estreara apenas 4 anos antes. E é também uma película de referência para todos os filmes que se seguiram sobre invasão de privacidade e violência juvenil.

Em suma, uma preciosa descoberta que se tornou num filme de culto.

As semelhanças

2012-01-29T17:31:00.010Z

O mundo do espectáculo é um mundo que tem tanto de contrastante como de idêntico. O site Totally Looks Like é um divertido sítio onde encontramos, sobretudo, grandes semelhanças físicas entre actores, actrizes, músicos e outros artistas. Semelhanças que nos desconcertam e sobre as quais, quiçá, nunca nos ocorreram (como as últimas duas imagens deste post!). Outras são, de tal forma óbvias, que saltam à vista.

"Klip"

2012-01-29T16:44:00.006Z

Li no site C7nema a informação de um filme que está a suscitar muitas expectativas no festival de cinema de Roterdão. O filme em questão chama-se "Klip" e é realizado por uma jovem (28 anos) sérvia de nome Maja Milos.

"Klip" retrata a vida caótica de um grupo de jovens obcecados por sexo, drogas e violência. O sexo é duro e explícito, e a utilização das drogas e da violência é muito realista. Certamente um filme que dificilmente será exibido nos EUA.

Os mais atentos sabem que esta fórmula explosiva já foi testada na obra polémica de Larry Clark, com os filmes-choque "Kids" (1995) e "Ken Park" (2002). Ao que parece, a realizadora não nega a influência directa.
A reportagem completa sobre este filme pode ser lida aqui.

Monty Python!

2012-01-28T01:22:00.008Z

É incontornável: a notícia da reunião dos impagáveis Monty Python para uma nova comédia de ficção científica chamada "Absolutely Anything", é a melhor notícia cinematográfica de 2012 até à data. Ao que consta, falta apenas a confirmação da participação do actor Eric Idle (o segundo da direita na imagem) para a trupe dos cinco humoristas anárquicos ficar completa (faltaria Graham Chapman, se fosse vivo). Um verdadeiro presente para os fãs (como eu) dos Monty Python e do seu humor absurdo.

E convenhamos que o mote da história deste filme promete: extraterrestes com poderes... humanos!

Resnais: Auschwitz e Marienbad

2012-01-27T23:44:00.014Z

Lembrei-me do realizador francês Alain Resnais por dois motivos: primeiro, porque é o realizador que filmou, pela primeira vez, o campo de extermínio nazi de Auschwitz no brilhante documentário "Noite e Nevoeiro" (1955) - e hoje comemoram-se 67 anos da libertação desse campo; segundo, porque Alain Resnais é também o cineasta do filme que agora serve de imagem inicial a este (renovado) visual do blogue: "O Último Ano em Marienbad".

E que filme é este? Provavelmente, um filme mais comentado do que realmente visto. Um filme de uma estirpe formal e estética rara no cinema actual. E o que conta este filme? Muito, pouco ou nada, conforme a interpretação: num luxuoso e enorme hotel, um estranho quer convencer uma mulher casada para fugirem juntos. Porém, parece difícil ela lembrar-se que tiveram um caso (ou talvez não tiveram) no último ano em Marienbad. Este é o mote de um dos mais enigmáticos e fascinantes filmes de sempre: "L'Année Dernière à Marienbad" (título original). Uma obra que, mais do que qualquer outra, evoca uma inusitada energia os labirintos da consciência e da memória. O cineasta disse, a propósito deste filme: "Fiz uma tentativa crua e primitiva para captar a complexidade do pensamento e os seus mecanismos."

Tudo é enigmático e barroco nesta obra de Resnais, desde as personagens ao ambiente criado, à voz off que narra acontecimentos em forma de poesia onírica, a realização em longos planos-sequência, a montagem elíptica, os hipnóticos movimentos de câmara, a narrativa cerebral. Visualmente, "O Último Ano em Marienbad" é um filme belo como poucos, feito de uma expressividade plástica depuradíssima. Para o sucesso artístico do filme muito contribuiu o texto e argumento de Alain Robbe-Grillet (um dos expoentes do chamado "Novo Romance" francês"), perfeito para a visão barroca de Alain Resnais.

As personagens são todas anónimas, sem alma, e vítimas de um qualquer encantamento que povoa o palácio internacional (e o seu vasto jardim) onde toda a acção do filme se desenrola - uma espécie de cela dourada e labiríntica, afastada do mundo real, quase num universo paralelo de consciência. A personagem feminina principal, mulher enigmática e sem nome (tal como o homem que a seduz), é encarnada por uma fascinante e bela actriz: Delphine Seyrig (trabalhou também com Truffaut e Buñuel). Os diálogos e pensamentos que o espectador lê são verdadeiros textos poéticos, plenos de luz e de sombras, de evocações e emoções, de enigmas e memórias.

Depois, a câmara de Alain Resnais filma o majestoso palácio e as personagens como raramente se viu no cinema, através de movimentos de câmara que mais parecem movimentos de volúpia e de sedução - planos-sequência de tirar o fôlego de tanta beleza. Quase como se a câmara de filmar não existisse e fosse substituída pelo olhar do próprio espectador, atento aos mais ínfimos pormenores da arquitectura, das estátuas, dos olhares e movimentos, da subtileza das decorações barrocas daquele espaço.

Em suma, um filme mítico, hipnótico, ousado, que se revê sempre com renovado prazer e surpresa e cuja modernidade intrínseca sobreviveu, sem mácula, ao desgaste das décadas.

Cinema português: a encruzilhada

2012-01-27T10:22:00.006Z

Para ler e reflectir sobre o futuro do cinema português:

Estreias aos pontapés

2012-01-26T21:12:00.007Z

Hoje regista-se mais uma avalanche de estreias comerciais nas salas portuguesas: oito filmes! Tem sido esta a média de filmes que estreiam todas as semanas em Portugal. Em cada mês, uns 30 filmes novos nas salas. Quase um por dia. Um ritmo louco que não corresponde às proporções do mercado cinematográfico português (perdeu 800 mil espectadores em 2011) nem abona a favor do sistema de distribuição dos filmes.

É como se as distribuidoras lançassem para as feras filmes aos magotes só para despachar mercadora, sem critério nem rigor objectivo. E isto quando se sabe que há bons filmes que vão directamente para o mercado de venda de filmes (DVD) ou para a exibição nas televisões e dezenas de filmes perfeitamente dispensáveis que inundam os cartazes semanais das salas comerciais.

E o nicho dos filmes de autor e independentes, que percorrem festivais internacionais de cinema, que ganham prémios de reconhecimento, que outorgam grandeza artística à palavra "cinema", está cada vez mais a reduzir-se em termos de expressão.

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Não esquecer outro dado importante e sintomático dos tempos que correm: nos últimos dois anos, duas capitais de distrito ficaram sem salas de cinema: Évora e Bragança. E a ameaça paira no ar noutras cidades capitais de distrito. Apesar das críticas que se possam fazer aos critérios de distribuição dos filmes e da mediania (ou mediocridade) da maior parte deles, a verdade é que é sempre um drama maior ficar sem nenhuma sala de cinema numa cidade média portuguesa. Mal por mal, em cada 10 filmes estreados, há-de haver um ou outro, de tempos a tempos, que valha realmente a pena ir ver ao cinema...

Saudades das férias

2012-01-26T20:59:00.000Z

Facelift

2012-01-26T09:22:00.004Z

A razão pela qual este blog redefiniu visualmente o seu "layout" tem a ver com o facto da necessidade que tenho sentido, há muito tempo, de aumentar o espaço disponível para imagens e vídeos.

A nova imagem do blog é retirada do filme "O Último Ano em Marienbad" (1961) de Alain Resnais.

Playtime #68

2012-01-25T23:15:00.010Z

A solução: "Nostalgia" (1983) - Andrei Tarkovski
Quem descobriu: Rui Gonçalves

"I Will Find You"

2012-01-25T00:08:00.005Z

Vale a pena perder (pouco mais) de 3 minutos para ver esta bela curta-metragem de animação intitulada "I Will Find You", de Andrei Bakhurin. Não só o filme em si é delicioso (com um twist final da história ao mesmo tempo terno e tenebroso) como também vale a pena pela música dos excelentes Estradasphere:

O adeus a Theo

2012-01-24T22:58:00.007Z

A notícia de hoje mais relevante e importante do mundo cinematográfico não tem a ver com as nomeações dos Óscares.

A notícia de hoje mais relevante e importante do mundo cinematográfico tem a ver com a morte súbita e trágica de um grande cineasta contemporâneo que ainda estava em plena actividade (aos 76 anos): Theo Angelopoulos.

RIP.

Música para grutas

2012-01-24T00:03:00.009Z

Ainda não vi o documentário "A Gruta dos Sonhos Perdidos" de Werner Herzog. Mas um amigo meu, cujo gosto cinéfilo tenho muito em conta, contou-me que já o viu e, ainda por cima, na versão disponível em 3D.

Garantiu-me que se trata de um belo filme sobre as fascinantes e misteriosas Grutas Chauvet, em França, e que a utilização do 3D está muito bem conseguida ("Parece mesmo que o espectador está lá em baixo nos abismos da gruta", disse-me).

Outro aspecto que salientou do documentário de Herzog é a utilização da música original, a qual contribui para o envolvimento quase espiritual da exploração das grutas. E como também confio no gosto musical do meu amigo, fui pesquisar quem é o autor da música: Ernst Reijseger (na imagem), um violoncelista e compositor holandês com larga experiência no jazz de vanguarda, na música improvisada e na erudita contemporânea (já não é a primeira vez que faz música para filmes de Werner Herzog).

Ouvi vários excertos da música original de Ernst Reijseger e gostei bastante. Poderia dizer que, mesmo não tendo visto o documentário, senti que a sua música evoca fortes imagens, ambientes misteriosos e uma especial dialéctica lírica entre homem e natureza. Gosto especialmente da força espiritual que emana desta composição:

Agora que já ouvi a música, resta-me ver o filme...

"Inception" by... Fritz Lang!

2012-01-23T11:27:00.008Z

O jornal Daily Mail divulgou há dias uma interessante reportagem subordinada a uma simples e desafiadora questão: "E se os modernos blockbusters tivessem sido feitos na década de 50?" Pegando nesta premissa, o artista gráfico americano Peter Stults reinventou os posters de filmes como "Inception", "Pulp Fiction" ou "Trainspotting", criando imagens totalmente vintage. Para além da óbvia curiosidade dos posters feitos na forma estética dos anos 50 e 60, é também curioso os nomes dos créditos artísticos.

Assim, o filme "Trainspotting" seria realizado por Jean-Luc Godard e interpretado por uns jovens Michael Caine e Anthony Hopkins; ou o "Inception" realizado por Fritz Lang e interpretado por Burt Lancaster e Rita Hayworth! E quem melhor para actor em "Drive" do que... James Dean?!

Eis as provas:

A saga dos "biopics"

2012-01-22T16:48:00.010Z

Parece que, depois das sequelas e prequelas, Hollywood vai investir em força nos filmes biográficos de personalidades famosas das artes do espectáculo.

Na última década, houve dezenas de "biopics" sobre outras tantas figuras históricas mundiais: Bob Dylan, Edith Piaf, Ian Curtis, Bettie Page, Truman Capote, John Lennon, Harvey Pekar, Margareth Thatcher, Winston Churchill, Kurt Cobain, Nelson Mandela, Harvey Milk, Coco Chanel, Stravinski, Che Guevara, Ian Dury, Johnny Cash, Ray Charles, Howard Hughes, Frida Kahlo, Marilyn Monroe, etc. (até em Portugal já pegou a moda: depois de Amália Rodrigues e Aristides de Sousa Mendes, está em marca o filme biográfico do António Variações).

A mais recente notícia de um projecto para um filme de cariz biográfico é "Grace of Monaco", sobre a actriz e princesa Grace Kelly. O filme será realizado por Olivier Dahan, conhecido pelo filme biográfico de Edith Piaf, "La Vie en Rose". Entretanto, parece que se confirma que Megan Fox vai encarnar a diva Elizabeth Taylor num filme sobre esta actriz que reinou na era dourada de Hollywood.

Se algum produtor de Hollywood ler este blog, eis as minhas sugestões de nomes (cinema, música, pintura e literatura) para futuros "biopics":

- Erik Satie

- Marcel Duchamp

- Antonin Artaud

- Francis Bacon

- Katharine Hepburn

- Lou Reed

- René Magritte

- Humphrey Bogart

- John Cage

- Frank Zappa

- Alfred Hitchcock

- Ozzy Osbourne

- Ingrid Bergman

- Greta Garbo

- Charles Bukowski

- Louise Brooks

- Montgomery Clift

- Dennis Hopper

- Janis Joplin

- Samuel Beckett

- John Wayne

- William S. Burroughs

- Glenn Gould

- Boris Vian

- Malcom McLaren

- Eric von Stroheim

- Jacques Tati

- Jimi Hendrix

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Acredito que, com actores e actrizes adequados a cada personalidade e o realizador ideal, poderiam sair daqui grandes filmes.

ADENDA: Acabo de ler no jornal Expresso que, afinal, quem vai interpretar Elizabeth Taylor é a actriz Lindsay Lohan, num filme com o título "Elizabeth & Richard".

Lindsay Lohan?...

Os filmes de Payne

2012-01-21T15:25:00.008Z

Estou muito curioso para ver "Os Descendentes" de Alexander Payne. Por um motivo especial: gostei muito dos dois filmes anteriores deste realizador: "About Schmidt" (2002) e "Sideways" (2004).

Ambos são obras notáveis que exploram um género muito difícil de alcançar com qualidade reconhecida: a comédia dramática (cuja referência maior no cinema contemporâneo é Woody Allen). Conseguir equilibrar a comédia e o drama num só filme, com um argumento astucioso e equilibrado e interpretações convincentes, não é para todos.

Alexander Payne tem conseguido gerir sabiamente estes elementos e os dois filmes referidos são exemplos da forma como, criticando certos hábitos e sectores da sociedade americana, consegue levar a bom porto os seus intentos. São também filmes que exprimem um certo sentimento melancólico da vida e uma visão desapaixonada da sociedade moderna.

"Sideways", sobretudo, é uma película brilhante que parte do vinho como metáfora da vida, através da viagem de despedida de solteiro de dois homens pela viciante Califórnia vinícola. A interpretação memorável de Paul Giamatti como escritor frustrado depressivo e pessimista, em contraponto à visão boémia do seu amigo, é um dos aspectos que dá especial brilho a esta sensível (e divertida) história sobre relações humanas fracassadas.
Sobre o filme "About Schmidt", com um fantástico Jack Nicholson, escrevi isto há tempos.

Discos que mudam uma vida - 157

2012-01-20T18:00:00.003Z

M.I.A. - "Arular (2005)

Requiem pelo MOTM

2012-01-19T23:06:00.006Z

Hoje é um dia triste para a comunidade cinéfila (e não só) da internet e da blogosfera: as autoridades norte-americanas fecharam o sítio Megaupload, um dos mais conhecidos e populares servidores de partilha de informação à escala global.

Esta medida afecta muitos milhões de utilizadores da internet, entre os quais o criador do fantástico blog My One Thousand Movies.

Este blog, único a nível nacional e até internacional, disponibilizou 2700 filmes ao longo de quase 4 anos de intensa actividade. 2700 filmes de irrefutável qualidade artística, o melhor do melhor que a história do cinema nos deu estava neste sítio que foi um espaço de partilha e de fruição de filmes clássicos, de autor e raros. Mas havia muito mais: filmes representativos de todas as décadas da história do cinema, de variadíssimas cinematografias mundiais (portuguesa incluída), com sinopse detalhada para cada filme apresentado e um resumo vídeo do YouTube. E ainda muitos títulos que nem sequer têm edição nacional em DVD.

Ao longo destes anos, muitas centenas ou milhares de pessoas puderam conhecer filmes e cinematografias através do MOTM, numa espécie de processo de formação cinéfila online que muito enriqueceu, sobretudo, as novas gerações de amantes da 7ªArte. Eu próprio, enquanto cinéfilo, conheci e vi muitos, muitos filmes que o MOTM tinha no seu sítio.

Em suma, uma verdadeira mina de ouro e um serviço público irrepreensível para cinéfilos que agora foi completamente dizimada por causa desta medida.

Em segundos, os 2700 filmes disponíveis online, desapareceram como que levados por um tornado de leis que querem defender os "direitos de autor" de uma minoria e beneficiar economicamente deste encerramento forçado (e se as propostas de leis antipirataria PIPA e SOPA foram aprovadas nos EUA, é certo que a liberdade de informação na internet, tal como a conhecemos, vai ser fortemente abalada e até destruída).

A morte do MOTM constitui, pois, uma verdadeira perda para o ideal de liberdade da partilha da informação e da circulação do conhecimento nesta nova era digital.

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Por isso, resta-me agradecer, com enorme respeito e sentimento de gratidão, o trabalho incansável do Francisco Rocha, autor do My One Thousand Movies, pela sua paixão pelo cinema, pela sua abnegação e pela forma como enriqueceu as vidas de muitas pessoas com o seu labor diário.

Como forma simbólica de homenagem, deixo aqui ao Francisco o trailer do seu filme preferido de sempre. Eu sei que ele já viu muitas vezes este trailer e este filme, mas serve apenas de reconforto e de estímulo para continuar, quiçá por outra via, a demonstrar o seu amor pelo cinema. Obrigado!

Genealogia de Fotogramas #16

2012-01-19T21:13:00.013Z

"Blue Valentine" (2010) - Derek Cianfrance

A lista de Tarantino

2012-01-18T12:00:00.003Z

Quentin Tarantino deu a conhecer os seus filmes preferidos de 2011. E o mundo cinéfilo interessa-se, pois claro, pelas opções nem sempre previsíveis do realizador.

Como sempre, o gosto cinéfilo pouco ortodoxo de Tarantino revela-se e, na mesma lista, mistura Woody Allen com "X-Men", "Carnage" com "The Green Lantern".

1. Midnight In Paris
2. Rise Of The Planet Of The Apes
3. Moneyball
4. The Skin I Live In
5. X-Men: First Class
6. Young Adult
7. Attack The Block
8. Red State
9. Warrior
10. The Artist / Our Idiot Brother (tie)
11. The Three Musketeers

Outros títulos mencionandos sem nenhuma ordem especial:
50/50
Beginners
Hugo
The Iron Lady
Carnage
Green Hornet
Green Lantern
Captain America
The Descendants
My Week With Marilyn
Fast Five
Tree Of Life
The Hangover Part II
Mission Impossible 4
The Beaver
Contagion
The Sitter
War Horse

Lumière e Glass

2012-01-18T00:23:00.002Z

Uma bela homenagem ao cinema experimental dos irmãos Lumière no final do século XIX. Com música de Philip Glass.

O olhar visionário de Godard

2012-01-17T23:55:00.003Z

É um dos mais espantosos filmes de Jean-Luc Godard: "Alphaville" (1965). E é também um dos mais estudados na área da comunicação, da semântica e da teoria estética (Deleuze), dada a complexidade da obra.
Com interpretações fabulosas de Eddie Constantine e Anna Karina, "Alphaville" é uma espécie de filme policial/ficção científica de série B futurista, com abordagens muito cruas à ideia de repressão do Estado, de controlo das massas e da liberdade individual. Um tema muito actual, portanto.

O navio onde Godard filmou

2012-01-16T23:25:00.010Z

Na cerimónia de inauguração do navio cruzeiro "Costa Concordia", em 2006, a garrafa de champanhe, tradicionamente lançada de encontro ao casco do navio como forma de "baptismo", não se partiu. Quando assim acontece, diz-se que o navio não vai ter sorte. Comprovou-se agora com o naufrágio do cruzeiro na costa italiana.

Mais curioso e intrigante ainda - e relatado no Facebook pelo Daniel Curval - é que o "Filme Socialismo" do cineasta francês Jean-Luc Godard foi filmado, em grande parte, neste navio cruzeiro (comparem as imagens).

Segundo Curval, "o filme falava do fim do capitalismo e desta Europa politica e confirma a genialidade e o visionarismo de Godard. Este naufrágio representa uma trágica e metafórica ironia."

Mesmo eu que não me empolguei com o filme de Godard, acabo por subscrever estas mesmas palavras!

Lech Walesa no cinema

2012-01-16T18:54:00.003Z

Soube ontem que o realizador polaco Andrzej Wajda se encontra a realizar um filme biográfico sobre a figura histórica de Lech Walesa, Prémio Nobel da Paz em 1983 e chefe emblemático do Movimento Solidariedade, o mais poderoso sindicato polaco que nasceu nos Portos de Lenin. Foi também uma personalidade chave para a derrocada do comunismo nos países do leste da Europa.

O cineasta Andrzej Wajda, agora octogenário, é um dos mais destacados cineastas polacos da nova vaga dos anos 50 e 60, autor da mítica "Trilogia da Guerra" ("A Generation", "Ashes and Diamonds", "Kanal").

Sobre este "biopic", já veio dizer que se trata do filme mais difícil da sua carreira, tendo mesmo utilizado a expressão "Eu não quero, mas não tenho alternativa" - numa clara referência à mítica frase de Walesa utilizada numa campanha eleitoral no final dos anos 80. Não espanta esta preocupação e responsabildiade por parte de Wajda, uma vez que Lech Walesa é considerado um heróis anticomunistae um símbolo de resistência e de esperança.

O horror em estado puro

2012-01-15T16:29:00.009Z

Há muitos filmes sobre serial killers mas há poucos como perturbador "Henry, Retrato de um Assassino" (1986) de John McNaughton. Vi-o no final da minha adolescência e ainda hoje tenho cravadas na minha memória algumas das imagens do filme, a frieza gélida que toda a película transpira, o horror banal levado a cabo por um homem aparentemente banal mas alheio a quaisquer sentimentos (baseado nas confissões de Henry Lee Lucas, um dos mais prolíficos assassinos da história dos Estados Unidos). Um filme que se tornou rapidamente num 'cult movie' por todos os festivais que passou e granjeando uma legião de fãs. O seu realizador, por seu lado, nunca mais fez um filme decente...

Henry divide o apartamento com Otis, um funcionário de uma estação de serviço que é um ligeiro retardado mental. Os dois conheceram-se na prisão, onde Henry cumpriu pena por ter assassinado a sua mãe e Otis por ter morto um homem durante um assalto. Um dia, Becky, a irmã de Otis, instala-se na casa dos dois e deixa-se apaixonar por Henry, mas este, apesar de a acolher com agrado, é incapaz de corresponder ao seu amor. Os três acabam por se unir num mundo de crueldade e depravação sem motivação aparente...

"Henry: Portrait of a Serial Killer" é um filme completamente amoral em sem rodeios, é quase um documentário sem tomar partido de nada nem de ninguém, um misto de violência e sinceridade assente numa realização livre de artifícios ou elementos decorativos, que traça o retrato de um homem cuja natureza predadora força a viver e a agir de acordo com o seu íntimo mais violento; alguém que, em última instância, não passa de um produto nefasto de uma sociedade enferma capaz de gerar as maiores aberrações.

A realização de McNaughton, a música, a montagem e a interpretação assombrosa de Michael Rooker no papel de Henry, tornam "Henry, Retrato de um Assassino" um verdadeiro marco dos filmes de terror sem piedade nem dó. Conta-se que no final da estreia do filme, na qual estava presente o realizador, um espectador profundamente perturbado com o que tinha visto, foi ter com John McNaughton insurgindo-se contra a violência do filme dizendo: “o senhor não pode fazer isto: deixar um assassino em série escapar desta maneira, sem punição, sem resolução moral, sem castigo!”. Ao que o realizador respondeu: “Bem, pois foi o que fiz”.

E é esta frieza absoluta perante o mal que incomoda tantos espectadores, tanto mais que os acontecimentos perturbantes do filme são baseados em factos reais. É que são raros os filmes nos quais o crime povoe todo o filme e não haja o respectivo castigo, tão habitual em produções de Hollywood (mesmo em filmes de terror mais alternativos). Neste filme, castigo é uma palavra proibida. É a banalização do mal absoluto que se mostra, o instinto mais animalesco e macabro, tal como ocorre na vida real. Uma verdadeira viagem aos confins negros e violentos da mente humana.

Para quem ainda não viu e quer atrever-se a ver, pode descarregar o filme neste sítio ou, pelo menos, ver o trailer.

A cor fica-lhes tão bem

2012-01-15T16:08:00.004Z

O cinema e os videojogos

2012-01-14T16:01:00.012Z

A indústria dos videojogos, responsável pelo desenvolvimento e construção de consolas e jogos, é já a segunda maior indústria de entretenimento, à frente do cinema e apenas atrás da música. Estima-se que em 2011 lucrou uns impressionantes 70 mil milhões de dólares. A grande procura do mercado para produtos desta indústria é um factor extremamente motivante para apostar no desenvolvimento e criação de novas tecnologias.

O jogo "Call of Duty: Modern Warfare 3" lançado no final de 2011, foi o título que arrecadou mais lucros de sempre: mais de 775 milhões dólares nos primeiros cinco dias após o seu lançamento, superando o recorde de 550 milhões de dólares alcançados por "Call of Duty: Modern Warfare 2" em 2009. Para ser exacto, este videojogo bateu recordes de bilheteira no teatro, cinema, livros e as vendas registadas de videojogos para os cinco dias em todo o mundo em dólares.

A saga "Call of Duty" (que eu comecei a jogar desde o início, em 2003) é, porventura, o mais popular, sofisticado e avançado jogo de acção de todos os tempos na categoria de "first person shooter". Inicialmente confinado a cenários da Segunda Guerra Mundial, os últimos jogos têm tido como palco cenários actuais (Londres, Nova Iorque, Paris...). Com um grafismo estonteante, uns efeitos sonoros ao mais alto nível, um envolvimento visual brilhante e uma acção frenética e realista, "Call of Duty" é um jogo que tem quase uma dimensão cinematográfica. Não só porque a acção e a história do jogo remetem para muitos filmes de guerra, como também porque há muitos profissionais do cinema que estão envolvidos na criação e produção do jogo: Paul Haggis, realizador do filme "Crash", foi o autor do argumento deste jogo; Brian Tyler, célebre compositor em alta de Hollywood, assinou a música original e as vozes dos personagens são interpretados por actores credenciados.

O próprio realizador Guillermo Del Toro comentou: "Sou um fã incondicional de Call of Duty. Cada vez que é lançado um jogo completo a campanha single-player super rápido." Tanto é assim que a sua família "sabe que não me deve interromper no dia em que saem estes jogos porque é uma data sagrada para mim." O cineasta realça a vertente visual do jogo: "Visualmente é muito impressionante e muito envolvente". A estética dos jogos em termos de iluminação e desenho de som, ou desenho de efeitos, foram sempre muito importantes para mim. Há alguns desenhos de videojogos que são tão poderosos e tão detalhados como qualquer filme", destacou numa entrevista.

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Eis o magnífico trailer de "Call of Duty: Modern Warfare 3".

Um taxista em Nova Iorque

2012-01-13T00:35:00.004Z

Robert De Niro conduziu 12 horas por dia um táxi em Nova Iorque durante um mês para se preparar para o papel de Travis Bickle no filme "Taxi Driver" (1976) de Martin Scorsese.

A procura de realismo e de perfeccionismo para interpretar o papel que lançaria definitivamente a sua carreira, obrigou De Niro a uma intensa experiência de condução pelas ruas da "Grande Maçã". Esta experiência permitiu-lhe conhecer melhor os meandros mais obscuros e degradantes das ruas nova iorquinas e da vida de taxista nocturno - úteis para a construção da sua personagem e para tornar mais credível a história.

E como é óbvio, para conduzir qualquer viatura - e um táxi em particular - o actor tinha de estar legalmente habilitado para tal. Por isso, tirou uma licença de motorista de táxis - "Taxicab Driver's Licence", tirada no dia 31 de Maio de 1976, uns meses antes do início das filmagens do filme de Scorsese.

Elvis para todos os gostos

2012-01-12T14:44:00.002Z

Elvis Presley será sempre "The King". Mas há muitos outros Elvis na constelação musical planetária. Alguns bem conhecidos, outros totalmente obscuros. Não sei se os músicos e bandas que adoptam o nome Elvis pretendem aproveitar-se da visibilidade mediática que o Elvis Presley representa, mas a verdade é que há nomes artísticos "elvisianos" para todos os gostos. Pesquisando por "Elvis" no portal de música allmusic.com, o resultado revela perto de 50 referências ao nome Elvis. Os Elvis mais conhecidos são:

- Elvis Costello
- Elvis Crespo (músico latino)

- Elvis Perkins.

Depois há nomes artísticos que ostentam Elvis em designações (algumas bem bizarras), seja no nome, seja no apelido, tais como:

- DJ Elvis
- Gay Elvis
- Velvet Elvis
- The Elvis Diet

- Elvis Hitler (!)

- Elvis Band
- Elvis Angel
- Elvis The Doo
- Lady Elvis
- Black Elvis
- I Saw Elvis
- Elvis Magno
- Kjell Elvis
- Filthy Elvis
- Elvis White
- Elvis Eifel
- Tiny Elvis
- The Red Elvises
- Elvis Gestr

Não faço ideia que tipo de música farão algumas destas bandas e músicos com nomes "Elvis" (a confiar no allmusic, fazem: rock, pop, world-music, electrónica, gospel, country, R&B e rap). Mas a avaliar pelo nome de algumas bandas temo que a música envergonharia o genuíno e verdadeiro Elvis "The Pelvis" Presley!

A lista completa aqui.

O som no cinema

2012-01-11T22:44:00.004Z

Todos os cinéfilos sabem quão importante é o som num filme. Geralmente relegados para as categorias técnicas e de somenos importância, os técnicos e designers/editores de som de um filme de grande orçamento são absolutamente essenciais para dar credibilidade e qualidade à película. E trabalhar o som é uma arte cada vez mais complexa e especializada, na qual se incluem a mistura de pistas de áudio, montagem, efeitos sonoros, a gravação e espacialização do som, etc.

Para perceber um pouco melhor a dimensão do trabalho destes técnicos e criadores, nada como consultar o site SoundWorks Collection, criado em Novembro de 2009 pelo editor de som Michael Coleman em colaboração com a revista MIX. No site podemos encontrar artigos, fotografias e vídeos que abordam o fascinante e minucioso trabalho na área do som para cinema, com destaques a filmes recentes, como "Drive", "Mission Impossible", "War Horse", etc.

Claro que, a par da componente do som, SoundWorks Collection não esquece a vertente artística da música, com análise às composições para filmes, biografias de compositores (está em destaque Brian Tyler), listagens actualizadas de colaborações, etc.

Sem dúvida um apelativo sítio para cinéfilos que gostem, simultanemanete, de conhecer os pormenores técnicos e expressivos do som e da música para cinema.

Adoptar ou não adotar

2012-01-11T15:50:00.004Z

Que me perdoem os leitores brasileiros deste blog, mas eu não irei, tão cedo, adoptar as regras do novo Acordo Ortográfico. Nunca concordei com os seus pressupostos e com a sua premissa de base. A língua portuguesa, escrita e falada, durante séculos em Portugal, é agora completamente desbaratada com esta clara cedência à forma de escrever do Brasil.

À custa da suposta uniformização da língua, iremos demorar muitos anos até que as novas regras estejam solidamente consolidadas e apreendidas nas nossas escolas, nos meios de comunicação, no exercício da escrita mais banal, no dia-a-dia. Por agora só gera confusão e mal-entendidos, como retirar a consoante muda "c" na palavra "espectadores" (que se transforma em "espetadores", entre outros exemplos).

Por isso, manifesto o interesse em continuar a utilizar a "velha" orotografia, neste blog e nos meus escritos pessoais/profissionais, até que se torne absolutamente obrigatório escrever à luz do novo Acordo Ortográfico (previsivelmente, em 2014).

Notas de Bresson #12

2012-01-10T23:23:00.001Z

"Cinema, rádio, televisão e revistas são uma escola de desatenção: as pessoas olham sem ver, ouvem sem escutar."

As próximas grandes estreias

2012-01-10T22:59:00.003Z

O semanário Expresso dedicou duas páginas na análise da temporada de estreias de cinema que se avizinha (entre Janeiro e Fevereiro). Foram 11 filmes citados.

De todos esses filmes, eis aqueles que, por ordem de expectativa e de preferência, mais aguardo:

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1- "The Artist" de Michel Hazanavicius
2 - "A Invenção de Hugo" de Martin Scorsese
3 - "Cosmópolis" (na imagem) de David Cronenberg
4 - "O Cavalo de Turim" de Béla Tarr (apesar de já ter visto)
5 - "J.Edgar" de Clint Eastwood
6 - "O Gebo e a Sombra" de Manoel de Oliveira
7 - "Millennium - Os Homens Que Odeiam as Mulheres" de David Fincher
8 - "Cavalo de Guerra" de Steven Spielberg
9 - "Tabu" de Miguel Gomes
10 - "Take Shelter" de Jeff Nichols

A comédia clássica em livro

2012-01-09T23:26:00.004Z

O jornal espanhol El Mundo dá conta da edição de um livro do jornalista e escritor Guillermo Balmori sobre a comédia clássica de Hollywood.

O título da obra (capa de Audrey Hepburn) é simplesmente "La Comedia", e tem 438 páginas que analisam um género cinematográfico geralmente pouco valorizado no contexto da história do cinema.

Segundo o autor, a época dourada da comédia clássica de Hollywood situa-se entre os anos 30 e 60 e há uma palavra que define este tipo de filmes: "encanto".

As comédias clássicas de Frank Capra, Billy Wilder ou Ernst Lubitsch transpiravam encanto, com as suas histórias, as suas personagens femininas plenas de sedução e charme, as situações inusitadas de comédia... Algo que se perdeu quase por completo a partir de finais dos anos 60.

Para ler a reportagem sobre o livro e a entrevista ao escrito, clicar aqui.

O livro pode ser comprado aqui.

A morte nos filmes de Hitchcock

2012-01-09T01:04:00.004Z

É um exercício bem curioso: alguém colocou online no Youtube as sequências de 36 mortes (homicídios) noutros tantos filmes de Alfred Hitchcock. Como é sabido, para o realizador, a morte e o assassínio eram elementos centrais para despoletar (ou adensar) o clima de suspense que tão bem dominava nos seus filmes.

Este curto vídeo mostra, em 36 pequenas janelas e de forma simultânea, os momentos - em crescendo e em uníssono (som e imagem!) - todas as sequências de morte em 36 filmes do mestre. No final constam os créditos de cada filme representado. Claro que, com tantos focos de atenção, o olhar do espectador dispersa-se e torna-se quase impossível acompanhar todos os elementos visuais, o que obriga a várias visualizações.

Clássicos do Cinema em BD para Pessoas com Pressa #35

2012-01-08T19:56:00.000Z

Clicar na imagem para aumentar.

As imagens de Chris Marker

2012-01-08T14:42:00.011Z

Na minha última visita à Fnac deparei-me com esta maravilhosa edição em DVD (Atalanta): dois DVDs com três filmes de Chris Marker, cineasta experimental que há um ano foi alvo de uma importante retrospectiva no Estoril Film Festival. O preço é bastante simpático: 19,99€. Só não comprei porque já tenho os filmes "Sans Soleil" e "La Jetée" que adquiri na Amazon há uns anos por um preço, ainda por cima, elevado.

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Mas afinal quem é Chris Marker?

Nasceu em França em 1922 e vive actualmente em Paris. Combateu na 2ª Guerra Mundial, estudou filosofia com Jean Paul Sartre e Guy Debord mas especializou-se em documentários, sendo ainda produtor, escritor, operador de câmara, artista multimédia e jornalista.

Jean-Luc Godard, Orson Welles, Federico Fellini, Pasolini, Chantal Akerman, Wim Wenders, Werner Herzog, Errol Morris, Abbas Kiarostami, e Agnès Varda referem que é um dos melhores cineastas do mundo - um "ensaísta das imagens". Trabalhou com Alain Resnais no sublime documentário sobre Auschwitz - “Noite e Nevoeiro” (1955). Deu muito poucas entrevistas ao longo da vida e quando lhe pedem uma fotografia, dá a do seu gato Guillaume.

Marker realizou em 1962 um dos mais enigmáticos, originais e belos filmes de sempre: "La Jetée". É um filme de ficção científica (aborda dois temas recorrentes: o holocausto nuclear e a viagem no tempo), feito com imagens estáticas, fotografias filmadas, à excepção de um único movimento. A curta-metragem narra a aventura de um sobrevivente da Terceira Guerra Mundial que vive como prisioneiro nos subterrâneos de uma Paris destruída. Esse homem guarda lembranças de uma infância feliz na superfície, em tempos anteriores à guerra, quando costumava ser levado pelos pais para admirar os aviões no aeroporto de Orly. Numa dessas idas ao aeroporto, quando criança, ele vê um homem ser assassinado.

Em virtude dessas memórias, cientistas do pós-guerra escolhem-no como cobaia para experiências de viagem no tempo. Como a superfície do planeta foi devastada pela guerra e pela radioactividade, a humanidade vive reclusa no subsolo e com parcos recursos. A viagem pelo tempo do protagonista irá levá-lo ao encontro da sua mais funda memória do amor, transformando a sua percepção da vida e do mundo.

Se o cinema permite uma sofisticada manipulação do tempo através da montagem, "La Jetée" demonstra que mesmo imagens estáticas são capazes de fluir e de se submeter ao transcorrer do tempo. Mas este é apenas um dos trunfos estéticos desta obra maior do cinema mundial. A poética das imagens, a soberba montagem, a história envolvente, a voz off subtil, fazem deste filme uma experiência artística única.

"La Jetée" é um filme sonoro a preto e branco, mas que prescinde de uma característica inerente à linguagem do cinema: o movimento. Neste aspecto, o crítico Raymond Bellour terá razão ao afirmar que não é o movimento que define o cinema de forma mais profunda, mas sim o tempo. E é sobre manipulação do tempo, concebida através de uma rigorosa montagem, que este filme se revela, provando que mesmo imagens estáticas são capazes de fluir e de se submeter ao transcorrer do tempo.
As novas gerações talvez saibam da existência do filme porque "La Jetée" de Marker inspirou o filme que Terry Gilliam (ex-Monty Python) fez em 1995, "12 Macacos", com Brad Pitt e Bruce Willis. O realizador Terry Gilliam diz mesmo que "La Jetée" de Marker “tem a melhor montagem que alguma vez viu, com a música e a voz a marcar o ritmo e a deslumbrar o espectador”. As influências estéticas e plásticas do filme de Chris Marker perduram até aos dias de hoje, não só no seio do próprio cinema, como na música, na fotografia e nas artes plásticas.

No caso da música, David Bowie tem um vídeo intitulado “Jump They Say” com referências directas ao filme de Marker; o grupo de jazz Chicago Underground Trio e os Isotope 217 têm um disco chamado "La Jetée" (1999 e 1999, respectivamente); o projecto de pós-rock Tortoise editou um disco intitulado "Jetty" (1998).

Em 1982, Chris Marker realiza outra obra seminal,“Sans Soleil”, que resulta numa complexa reflexão sobre a cultura da imagem na sociedade pós-moderna – filme, vídeo e fotografia. E volta a abordar os seus temas de eleição: ficção científica, memória, tempo, viagem, culturas de África e Japão. Realizou ainda um notável documentário sobre a vida do realizador russo Andrei Tarkovski - "One Day in the Life of Andrei Arsenevitvh" (2000) e em 2005 criou um trabalho multimédia e digital para o MoMa – Museu of Modern art de New York.

Chris Marker é um cineasta que continua activo mesmo com 90 anos de idade. Continua a pesquisar novas formas de expressão audiovisual, recorrendo às novas tecnologias digitais de tratamento de imagem e som. Um artista com visão quase táctil da experiência cinematográfica.

Primeira parte do filme "La Jetée" (as outras duas estão no youtube):

Josh Cooley e as cenas de filmes

2012-01-07T16:06:00.013Z

Josh Cooley é um artista gráfico que trabalha na empresa Pixar, famosa pelos magníficos filmes de animação que produz.

Josh Cooley gosta, nos seus tempos livres, de dançar e fazer ilustrações de cenas célebres de filmes. O método é simples: escolhe uma determinada e famosa cena de um filme de culto, imprime o seu cunho gráfico específico e coloca o diálogo correspondente a essa mesma cena. Ao fim de algum tempo de criar inúmeras recriações, Cooley reuniu todas as ilustrações que foi fazendo ao longo do tempo e editou um livro a que deu o título de "Movies R Fun".

Eis alguns desenhos do artista:

A banda irlandesa em documentário

2012-01-07T01:41:00.004Z

É um documentário que gostava muito de ver mas ainda não tive oportunidade: "From The Sky Down" de David Guggenheim. Teve estreia no Festival de Cinema de Toronto em Setembro de 2011 e aborda o difícil período de criação e gravação do álbum "Achtung Baby" (1991) da banda irlandesa, disco que seria de vital importância para a evolução musical do grupo.

O realizador foi convidado pela própria banda para fazer este filme com vista à comemoração do vigésimo aniversário da edição do célebre álbum. Por isso, teve acesso livre aos arquivos vídeos dos U2 daqueles anos e gozou de liberdade total na montagem final. O resultado, segundo rezam as crónicas mais optimistas, é um dos melhores documentários musicais jamais feitos sobre a criação de um álbum rock.

Dennis, John e John

2012-01-05T22:36:00.006Z

E por falar em Dennis Hopper (no post em baixo), lembrei-me de uma famosa fotografia em que estão juntas, na cama (!), três personalidades (cada uma à sua maneira) de culto do cinema mudial: Dennis Hopper, John Ford e John Huston.

A imagem terá sido captada algures em 1973, o ano da morte de Ford e da realização de "The Mackintosh Man" (filme de espionagem na guerra fira) de John Huston. A deduzir pela pose da fotografia, Hopper andaria a gozar os rendimentos do filme "Easy Rider" (1969) e a curtir o resto da ressaca do movimento "hippie" (sim, com drogas incluídas).

Os filhos de grandes realizadores

2012-01-05T21:04:00.004Z

Será que em Hollywood "filhos de peixes sabem nadar"? Talvez sim, talvez não.

Há filhos de actores e actrizes famosos que vingaram no cinema no passado e estão a vingar agora - o caso mais recente de reconhecimento é o do jovem Henry Hopper, filho do grande actor Dennis Hopper (que protagoniza "Restless" de Gus Van Sant).

Ora, no que se refere a filhos de realizadores famosos, já não é tão fácil encontrar bons estreantes no cinema. A fazer fé na lista em baixo, apenas Sofia Coppola representa uma confirmação absoluta.

Os filhos dos outros realizadores estão a começar agora (ou começaram há poucos anos) e, aos poucos, vão conquistando - ou não - reconhecimento artístico, alguns talvez à custa da boleia dos apelidos célebres. O caso mais sério talvez seja o de Jason Reitman (na imagem), que realizou nos últimos anos os aclamados filmes "Nas Nuvens" e "Juno".

Já o caso de Duncan Jones, filho de David Bowie (apesar deste não ser realizador, a sua carreira também passou pelo cinema), teve uma estreia auspiciosa com o filme de culto de ficção científica "Moon".

Quanto aos filhos de Oliver Stone ou Steven Spielberg, são casos ainda imberbes que estão a iniciar-se no mundo do cinema. Veremos, com o passar dos anos, o que esta geração com apelidos sonantes irá oferecer ao mundo da sétima arte.

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Jason Reitman - filho de Ivan Reitman
Sofia Coppola - filha de Francis F. Coppola
Max Landis - filho de John Landis
Jake Kasdan - filho Lawrence Kasdan
Sam Levinson - filho de Barry Levinson
Sean Stone - filho de Oliver Stone
Max Spielberg - filho de Steven Spielberg
Duncan Jones - filho de David Bowie

A eterna Marilyn Monroe

2012-01-04T22:48:00.005Z

Estreia já esta semana um dos filmes mais esperados deste início de ano: "A Minha Semana Com Marilyn", filme do inglês Simon Curtis com Michelle Williams no exigente papel da eterna sex symbol. O desempenho da actriz é - segundo alguma crítica - de tal forma convincente que já se especula em nomeações para os Óscares.

As semelhanças físicas entre Michelle Williams e Marilyn Monroe, são reveladoras de que podemos estar perante um trabalho de interpretação que poderá marcar o ano cinematográfico e confirmar as altas expectativas criadas (por alguma razão Scarlett Johansson e Angelina Jolie recusaram o papel).

A ver vamos...

Discos que mudam uma vida - 156

2012-01-04T22:45:00.002Z

The Smiths - "Hatful of Hollow" (1984)

A Vida é Bela

2012-01-04T00:00:00.002Z

Nunca o disse aqui por se tratar de um assunto da vida privada, mas digo-o agora sem reservas: sou casado e tenho duas filhas pequenas, uma com 12 e outra com 9 anos. Durante as recentes férias de Natal, mostrei-lhes o filme "A Vida é Bela" (1997), de Roberto Benigni. Perguntaram-me sobre o que se tratava o filme. Disse-lhes que era um filme simultaneamente cómico e comovente sobre o amor de um pai para com o seu filho (e a sua mulher), que se passava no terrível período da Segunda Guerra Mundial num campo de concentração. A minha filha mais velha, porque os estudara, já conhecia alguns elementos históricos deste conturbado momento do século XX (também porque conhecia o filme "O Rapaz do Pijama às Riscas").

Durante o visionamento do filme, ambas se riram em momentos divertidos e se emocionaram nos momentos mais comoventes (sobretudo com o final). Creio que "A Vida É Bela" é um belíssimo filme para mostrar a crianças certos valores tão arredados hoje em dia da sociedade. Mostrar que, mesmo em momentos de terríveis adversidades, o amor pode vencer. Em termos de linguagem cinematográfica, prova que se pode fazer humor com temas muito sérios, numa obra que reforça a ideia de que o cinema é a grande arte da ilusão e da magia. E não esquecer que o filme de Benigni conta com uma belíssima e inesquecível música de Nicola Piovani.

De todas as brilhantes sequências do filme levadas a cabo pelo incrível Roberto Benigni, aquela que melhor representa o misto de comédia e de dramatismo, é esta em baixo. É o momento no qual Roberto, o pai, mostra ao filho que o campo de concentração em que se encontram não é mais do que um campo de jogo, tudo é um jogo para o filho alcançar o ambicionado prémio: um tanque verdadeiro. É um momento hilariante (que sintetiza o filme) mas ao mesmo tempo dramático, porque é o desespero do pai que o leva a inventar aquela história.

No final do visionamento do filme, mostrei às minhas filhas o famoso momento em que Roberto Benigni recebeu, das mãos de Sofia Loren, o Óscar para Melhor Filme Estrangeiro por este filme, porventura a recepção de prémio mais emocionante e genuína de que há memória nas cerimónias dos Óscares.

Elas gostaram muito do filme e perceberam a mensagem que veicula. Perceberam o inusitado misto de tragédia e de comédia, o drama e a leveza de que é feito "A Vida é Bela". Esta foi a preparação para, no futuro, se habituarem a ver filmes cada vez mais exigentes e complexos. Filmes belos. Como a vida.

Música - Desejos para 2012

2012-01-02T23:26:00.012Z

Seria bom se 2012 nos trouxesse novos discos Jon Spencer Blues Explosion, Stephen Malkmus, Laurie Anderson, Brian Eno, Max Tundra, Robert Wyatt, Dan Deacon, John Cale, David Byrne, Santogold, Tindersticks, The Young Gods, Secret Chiefs 3, Leila, David Sylvian, Tricky, Elvis Costello, Kimmo Pohjonen, Wim Mertens, Mr. Bungle, Deerhunter, Fanfare Ciocarlia, Four Tet, Zero 7, Joshua Redman, David Bowie, Massive Attack, Spiritualized, Aphex Twin, Diamanda Galás, The Divine Comedy, Michael Nyman, Cinematic Orchestra, Bill Laswell, Interpol, Ryan Adams, The Avalanches, Wilco, Liars, Rufus Wainright, Tievery Corporation ou Micachu and The Shapes.

No entanto, o ano discográfico já está salvo porque vai ser editado um novo disco de originais dos Dead Can Dance!

Cinema - Desejos para 2012

2012-01-02T22:17:00.004Z

Seria bom se 2012 nos trouxesse novos filmes de James Gray, Guy Maddin, Paul Thomas Anderson, Hal Hartley, Todd Solondz, Richard Linklater, Michael Haneke, Larry Clark, Carlos Reygadas, Spike Jonze, Alejandro Jodorowsky, François Ozon, Spike Lee, Wong Kar Wai, Todd Haynes, Richard Kelly, Terry Gilliam (na imagem), Abel Ferrara, Bryan Singer, Jim Jarmusch, Werner Herzog, Godfrey Reggio, Julian Schnabel, Wes Anderson, Chris Marker, Peter Greenaway, Andrei Zvyagintsev, Jean-Claude Brisseau, Kim Ki-Duk, André Téchiné, Bruno Dumont, Christian Mungiu, Emir Kusturica ou Frank Darabont.

Playtime #67

2012-01-02T19:59:00.003Z

A solução: "Pi" (1998) - Darren Aronofsky
Quem descobriu: Jihad

Dez grandes filmes nunca realizados

2012-01-01T21:18:00.009Z

Uma das iniciativas que mais prazer (e trabalho) me deu fazer neste blog foi a série "Grandes Filmes Frustrados", levada a cabo entre Setembro e Outubro de 2010.

Nesta série apresentei dez casos de projectos de filmes de dez grandes realizadores que, por diversas razões, não foram possíveis de concretizar. Filmes ambiciosos e (alguns) megalómanos que jamais viram a luz do dia e sobre os quais o grande público pouco conhece.

Os realizadores envolvidos são Orson Welles, Lars Von Trier, Robert Bresson (na imagem), Stanley Kubrick, Hitchcock, Terry Gilliam, James Cameron, Jodorwoski, David Lynch e Paul Verhoeven.

Quem não acompanhou a publicação destes posts e/ou os quiser (re)ler, é favor abrir o seguinte link.

Novo ano

2011-12-31T02:08:00.004Z

Hoje é o último dia do ano 2011.

Que me lembre, no cinema contemporâneo, não há nenhuma sequência tão paradigmática da festa de final de ano como em "Strange Days" de Catherine Bigelow.

Este filme foi realizado em 1995 e tornou-se rapidamente num filme de culto de ficção científica ciberpunk. Relembro particularmente esta película porque os seus últimos três minutos centram-se na festa popular de boas vindas ao ano 2000, em plena Time Square de Nova Iorque. É durante esta sequência que o desenlace narrativo do filme tem lugar, com a reconciliação dos personagens interpretados por Ralph Fiennes e Angela Bassett.

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E é com esta sequência festiva que quero desejar a todos os leitores e seguidores deste blog um bom ano de 2012.

A carnificina de Polanski

2011-12-30T12:08:00.010Z

O filme de Roman Polanski, “O Deus da Carnificina”, baseado numa peça de teatro de Yazmina Reza, estreou ontem nas salas portuguesas.

É uma obra que remete para os fantasmas do recorrente imaginário 'polanskiano': a claustrofobia (literal e metafórica) dos espaços, o conflito latente entre personagens e a natureza maléfica das pulsões humanas. Dois casais, aparentemente civilizados e bem formados, encontram-se num apartamento de um deles para conversarem sobre um episódio de violência ocorrido com os filhos de ambos casais. Mas o que sucede ao longo do tempo real da discussão é uma disputa quase irracional que comprova que a comunicação entre adultos é um processo complexo, árduo e difícil. Aos poucos, a arrogância, o cinismo e a violênica verbal tomam conta da conversa dos dois homens e duas mulheres, invadindo temas que nada tinham a ver com o tópico inicial.

Definitivamente, aquele apartamento transforma-se num ringue de combate, de diatribe verbal destravada com consequências nefastas para todas as pessoas envolvidas. Afinal de contas, os instintos mais básicos do ser humano invadem o apartamento e assumem valores que destroem a capacidade racional de diálogo e de cordialidade. É uma visão negra e pessimista que questiona a possibilidade de uma comunicação humana eficaz (Jodie Foster diz: “Porque é que as coisas têm de ser tão difíceis?”), enfatizada com a incessante utilização do telemóvel por parte da personagem de Christoph Waltz, elemento profundamente perturbador da dinâmica de diálogo (e que será um elemento detonador do conflito no seio do próprio casal).

Polanski encena magistralmente este crescendo de desorientação e de desmontagem de aparências, recorrendo a um humor negro desconcertante, sendo que as interpretações dos quatro actores são absolutamente decisivas para o notável resultado final.

“O Deus da Carnificina” tem reminiscências estilísticas de dois ou três filmes: “Quem Tem Medo de Virgínia Wolf?” (1966), pela densidade dramática criada por dois casais; “12 Homens em Fúria” (1957) de Sidney Lumet, filme circunscrito a uma sala claustrofóbica; e “A Corda” (1948), de Hitchcock, película realizada num cenário idêntico (apartamento) e filmada em tempo real da história.
A carnificina do título do filme de Polanski é de índole moral, escalpelizando alguns dos males da civilização moderna: o individualismo, as deturpações no processo de comunicação, os jogos de aparências, a falsidade da bondade humana e a ausência de valores éticos reguladores da vida em sociedade.

Óscares: o cartaz (conservador)

2011-12-29T21:37:00.006Z

Os Óscares estão aí à porta e a Academia de Hollywood divulgou o cartaz oficial do evento. Ao contrário do que já li, parece-me um cartaz desinteressante em termos visuais. Claro que a mensagem está lá bem vincada (a presença da estatueta dourada diz tudo) com a ajuda de algumas imagens de filmes clássicos de fundo ("Casablanca", "Godfather"...).

No entanto, esta linha gráfica que evoca a sumptuosidade da cerimónia, o mundo do estrelato e da fama, cansa de tão repetitiva. Não há rasgos criativos e originais, nenhum elemento visual que desperte a curiosidade ou a invenção formal (os cartazes do festival de Cannes costumam ser bem mais ousados).

Talvez este conservadorismo nos cartazes de divulgação dos Óscares tenha relação com o alegado conservadorismo das preferências cinematográficas dos membros da Academia. Falta a visão criativa de um Saul Bass para revolucionar esta tipologia de cartazes em Hollywood.

Top 2011 - Os filmes

2011-12-29T00:40:00.004Z

De ano para ano, o número de estreias de filmes nas salas aumenta: em 2009 estrearam 347 filmes; em 2010, 440; e em 2011, passaram pelas salas portuguesas nada menos do que 509 filmes!

Claro que em meio milhar de películas, haverá 10 ou 15 filmes realmente fora de série. Não que eu tenha visto os 500 filmes de todo o ano, muito longe disso. Mas dos que vi, dá para concluir que foi um bom ano cinematográfico.

Convém fazer uma nota prévia dizendo que ainda não vi filmes possíveis candidatos à lista dos melhores do ano, como "Sangue do Meu Sangue", "Restless", "Nos Idos de Março", "O Tio Boonmee Que se Lembra das Suas Vidas Anteriores", "The Artist", "A Autobiografia de Nicolae Ceausescu", "Aurora", "Temos Papa", "Isto Não é Um Filme", "O Miúdo da Bicicleta", "As Serviçais" ou "Um Método Perigoso".

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Assim, do que já vi destacaria 12 títulos.

A saber:

12 - "Super 8" - J.J. Abrams (Uma feliz revisitação pela memória do cinema à mistura com ficção científica: um bom divertimento para miúdos e graúdos).

11 - "50/50" - Jonathan Levine (Porventura um dos melhores e mais honestos filmes sobre a sensível temática do cancro. Joseph Gordon-Levitt arranca uma brilhante interpretação).

10 - "O Cisne Negro" - Darren Aronofsky (Um retrato inquietante sobre a degradação psicológica de uma mulher que apenas almeja a perfeição).

9 - "Meia-Noite em Paris" - Woody Allen (O regresso de Woody Allen ao mais fino humor intelectual numa obra que compete com as suas melhores comédias de sempre).

8 - "Essential Killing" - Jerzy Skolimowski (Vincent Gallo é portentoso no soldado fugitivo que procura salvação sem dizer uma palavra. Realização prodigiosa de Skolimowski).

7 - "Uma Separação" - Asghar Farhadi (É um retrato sem espinhas sobre uma separação que é também uma metáfora dos problemas da sociedade moderna).

6 - "A Árvore da Vida" - Terrence Malick (Filme metafísico sobre as questões da vida e da morte, do homem e do amor, com a natureza elegíaca como pano de fundo).

5 - "48" - Susana Sousa Dias (Um dos mais originais documentários sobre a tortura a que foram sujeitas as vítimas do salazarismo. Inovação estética sem paralelo no cinema português).

4- "Drive" - Nicolas Winding Refn (Sofisticado e visualmente arrojado filme que deve tanto a Michael Mann como a "Taxi Driver". Violento e mordaz, num filme em que o silêncio conta).

3 - "Melancolia" - Lars Von Trier (Obra apocalíptica, negra e completamente nihilista sobre as relações humanas, mais do que sobre o fim do mundo).

2 - "O Deus da Carnificina" - Roman Polanski (É Polanski "vintage", realização segura e interpretações de elevado nível. É sobre a natureza psicológica das relações humanas).

1 - "O Cavalo de Turim" - Béla Tarr (Último filme de um profeta do cinema. Obra austera e difícil, mas de alcance artístico inigualável, Béla Tarr é um visionário raro do cinema actual).

Cheetah

2011-12-28T14:50:00.008Z

Quando era miúdo costumava ver os filmes de Tarzan ao fim-de-semana na televisão. Adorava as aventuras do homem da selva e do seu inseparável e divertido chimpazé (um dos filmes que mais me ficou na memória foi o de Tarzan em Nova Iorque). O que eu estava longe de imaginar e saber era que o dito chimpazé, de nome Cheetah (Chita), ainda estava vivo apenas há dois dias. Morreu ontem vítima de insuficiênica renal aos 80 anos, uma idade muito superior à esperança média de vida de um chimpazé.

Curiosamente, Cheetah morreu com a mesma idade do actor que encarnava Tarzan, Johnny Weissmuller.

Top 2011 - Os livros

2011-12-27T19:44:00.009Z

Foi um ano de leituras esparsas. Tenho uma pilha de livros na prateleira comprados este ano à espera de tempo para serem lidos. Provavelmente, alguns poderiam constar nesta lista...

Claro que, em todos os anos, há sempre muitos livros que gostaria de ter comprado e lido, mas nos tempos que correm, o dinheiro e a disponibilidade são fortes condicionantes. E é impossível acompanhar o louco ritmo de 40 novos livros editados, em média, todos os dias em Portugal!

O ano valeu pela descoberta/revelação do magnífico escritor norueguês Kjell Askildsen, com dois livros editados no mercado nacional.

1 - Kjell Askildsen - "Uma Vasta e Deserta Paisagem"
2 - Truman Capote - "A Erva de Ervas"
3 - Celina Manzoni - "Eu Sou Bolaño"
4 - Kjell Askildsen - "Um Repentino Pensamento Libertador"
5 - Julian Barnes - "Nada a Temer"
6 - Gonçalo M. Tavares - "Short Movies"
7 - Charlie Chaplin - "A Minha Viagem Pela Europa"
8 - Jack Kerouac - "Pela Estrada Fora - O Rolo Original"
9 - Elias Canetti - "Auto-de-Fé"
10 - Julian Barnes - "O Sentido do Fim"
11 - Philipp Meyer - "Ferrugem Americana"
12 - Luís Reis Torgal - "O Cinema Sob o Olhar de Salazar"

Top 2011 - Os discos

2011-12-27T16:46:00.018Z

São 35 discos, mas podiam ser mais. Efectivamente, este ano ouvi muita música, ao contrário do ano de 2010. E houve muitos e bons álbuns - quase diria que outros tantos cabiam nesta lista. Como já é apanágio, a lista é bastante ecléctica em termos de preferências musicais, abarcando quase todas as grandes correntes estéticas contemporâneas.

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Discos internacionais:

1 - Tom Waits - "Bad as Me"
2 - Death Grips - "Exmilitary"
3 - Battles - "Glass Drop"
4 - The Kills - "Blood Pressures"
5 - Shining - "Live Blackjazz"
6 - Tune-Yards - "W H O K I L L"
7 - John Zorn - "Enigmata"
8 - Thurston Moore - "Demolished Thoughts"
9 - PJ Harvey - "Let England Shake"
10 - Amon Tobin - "Isam"
11 - Anna Calvi - "Anna Calvi"
12 - Man Man - "Life Fantastic"
13 - Fleet Foxes - "Helplessness Blues”
14 - White Denim - "D"
15 - People Like Us - "Welcome Abroad"
16 - Felix Kubin - "Bruder Luzifer"
17 - Bill Frisell - "Sign of Life"
18 - Anoushka Shankar - "Traveller"
19 - Sonic Youth - "Simon Werner a Disparu"
20 - Hauschka - "Salon Des Amateurs"
21 - Jazzsteppa - "Hyper Nomads"
22 - Tes La Rok - "Them"
23 - Burial - "Street Halo"
24 - Gang Gang Dance - "Eye contact"
25 - Feelies - "Here Before"
26 - Dirty Beaches - "Badlands"
27 - Burzum - "Fallen"
28 - Kode9 + The Spaceape - "Black Sun"
29 - Planningtorock - "W"
30 - Radiphead - "The King of Limbs"
31 - Fucked Up - "David Comes to Life"
32 - Mouse on Mars - "Abschaffung der Arten"
33 - DJ Shadow - "The Less You Know, The Better"
34 - TV On The Radio - "Nine Types Of Light"
35 - Taraf de Haidouks and Kocani Orkestar - "Band Of Gypsies 2"

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Discos nacionais:

1 - Dead Combo - "Lisboa Mulata"
2 - PAUS - "PAUS"
3 - You Can't Win, Charlie Brown - "Chromatic"
4 - Stealing Orchestra - Deliverance"
5 - Old Jerusalem - "Old Jerusalem"
6 - Macacos do Chinês - "Vida Louca"
7 - Sean Riley & The Slowriders - "It's Been a Long Night"
8 - M-Pex - "iPhado"
9 - Rodrigo Leão - "A Montanha Mágica"
10 - Norberto Lobo - "Fala Mansa"
11 - César Prata - "Canções de Cordel"
12 - The Glockenwise - "Building Waves"

O balanço a chegar

2011-12-27T16:36:00.005Z

É da tradição no final de cada ano fazer-se um balanço do que de melhor (e por vezes pior) aconteceu. Como é também tradição n'O Homem Que Sabia Demasiado desde há quatro anos, irei fazer uma análise breve do ano cultural, abordando os discos, filmes e livros. Não necessariamente os 'melhores' discos, filmes e livros considerados de forma unânime; apenas aqueles de que eu gostei bastante e que merecem constar numa lista dos melhores. Porque uma lista tem sempre, por inerência, um forte cunho relativo e pessoal.

Wait and see.

Um génio esquecido

2011-12-27T01:57:00.009Z

(Imagens: George Antheil / Ezra Pound e George Antheil)

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Pergunto-me muitas vezes porque é que o génio artístico de George Antheil (pronuncia-se "antil") não é reconhecido ou nem sequer surge, muitas das vezes, referenciado nos dicionários musicais como merecia.

George Antheil (1900 - 1959) foi um músico à frente do seu tempo. Nascido nos EUA, New Jersey, aprendeu muito cedo a tocar piano. Um dia teve um ímpeto expansionista e deixou os EUA com uns imberbes 22 anos, mudando-se para a Europa (Paris, Berlim, Viena...) onde conheceu Stravinsky, uma das suas principais referências. Começou a dar concertos de piano que ficaram famosos pela total inovação técnica de abordar o teclado: de forma percussiva e violenta, gerando amálgamas sonoras abruptas e harmonicamente dissonantes. Numa época em que ainda se respirava a música melódica dos impressionistas (Debussy, Ravel...), George Antheil quebrou regras e violentou os ouvidos mais sensíveis, de tal forma que alguns concertos acabavam em verdadeiros motins.

Vanguardista e revolucionário foram os primeiros epítetos atribuídos a Antheil. Estávamos nos gloriosos e ricos anos 20 do século XX e o próprio pianista auto-proclamava-se, apropriadamente, "bad boy of music". A sua irreverente visão criativa da música levou-o a experimentar inusitadas combinações de instrumentos que nunca tinham sido tentadas, inventar instrumentos (como os futuristas italianos) e a utilização, como fez também Edgar

Varèse, de sons e ruídos urbanos - sirenes, buzinas, ruídos industriais, etc.

Com um espírito ávido de novas experiências artísticas e novos conhecimentos, foi amigo de artistas ilustres: James Joyce, Ezra Pound, Gertrude Stein, Pablo Picasso, Salvador Dali, Ernest Hemingway, Erik Satie, Igor Stravinsky, Fernand Léger... Ou seja, alguma da nata artística daqueles anos. Uma das suas obras musicais mais conhecidas e celebradas é a música que compôs para o filme dadaísta "Ballet Mécanique" de 1924, realizado pelo pintor e cineasta Fernand Léger. "Ballet Mécanique" é um marco insuperável do cinema de vanguarda dos anos 20, uma proposta visual abstracta, usando técnicas mistas - fotografia, colagens de imagens, animação, imagem real, ângulos de câmara e montagem ritmada. A música de George Antheil é um portento de erupção rítmica e combinações tímbricas, numa massa sonora agreste e imprevisível (aqui se nota onde o pianista de free jazz Cecil Taylor foi buscar inspiração) - um "ballet mecânico" com objectos e formas) como se poder ver e ouvir aqui:

Mais tarde, George Antheil regressa à américa natal e enverada por uma carreira de compositor de bandas sonoras para filmes de Hollywood. Com o passar dos anos, a música de Antheil foi evoluindo para um estágio estético mais convencional, quase próximo no neo-clacissismo, deixando para trás os anos de rebeldia e ousadia formal. Agora chamo a especial atenção para o que se segue: a recriação da peça musical "Ballet Mécanique" de George Antheil recriada por uma orquestra de instrumentos... robots. Trata-se do projecto norte-americano LEMUR - League of Electronic Musical Urban Robots . A apresentação deste concerto aconteceu na Nation Gallery of Art, Washington, em 2006. São 16 pianos a tocar simultaneamente com uma parafernália imensa de percussão e objectos sonoros pré-controlados.

Deveras impressionante.

Genealogia de Fotogramas #15

2011-12-26T17:28:00.019Z

Provavelmente, esta é uma das cenas mais fortes e incómodas do ano cinematográfico de 2011: no filme "Essential Killing", de Jerzy Skolimowski, Mohammed (espantoso Vincent Gallo) é um fugitivo esfomeado. De tal forma que, quando se depara com uma mulher com um bebé ao colo, percebe que amamenta e, desesperado, suga à força o leite materno da mulher. É uma cena que causa grande impacto, mais a mais por se saber que não foi encenada: Vincent Gallo, adepto do mais duro realismo, fez questão de beber mesmo o leite do peito de uma verdadeira mãe que amamentava um bebé.

"The Artist" - O filme mudo

2011-12-25T00:13:00.002Z

É o grande fenómeno do momento no mundo do cinema: o filme "The Artist" do realizador francês Michel Hazanavicius. A estreia deste filme aconteceu no último Festival de Cannes, competindo à Palma de Ouro (perdeu para "The Tree of Life") e o actor principal, Jean Dujardin, ganhou mesmo o Prémio de Melhor Actor. Recentemente foi nomeado para seis prémios Globos de Ouro e já se fala, insistentemente, nas nomeações para os almejados Óscares. A sensação à volta de "The Artist" é que se trata de um filme... mudo. Toda a sua estética visual remete para os filmes mudos dos gloriosos anos 1920. O realizador demorou 10 anos a convencer os produtores a investir neste projecto. E o resultado está à vista. A crítica e o público (já estreou comercialmente no final de Novembro nos EUA) têm sido quase unânimes nos elogios a este filme que foi pensado como se fosse realizado, de facto, entre 1927 e 1933 (época em que o sonoro veio substituir o mudo e que serve de pano de fundo para a história de "The Artist").

Michel Hazanavicius não é o primeiro realizador a explorar a estética do cinema mudo. O canadiano Guy Maddin (escrevi sobe ele aqui) já o fizera com brilhantes resultados formais. A inovação que "The Artist" acarreta é que não se limita a ser um mero exercício de estilo saudosista a preto e branco. Os valores de produção, as interpretações marcantes, a realização, a fotografia, a banda sonora e a história de amor (também amor ao cinema) são, tudo o indica, razões para considerar "The Artist" como uma obra absolutamente singular dos tempos modernos.

Além do mais, este filme de Hazanavicius tem outro mérito: o de chamar a atenção - sobretudo para as novas gerações de cinéfilos - para a história do cinema mudo. Vendo "The Artist", os jovens espectadores que desconhecem o período mudo, poderão ficar sensibilizados e motivados a descobrir e ver os grandes mestres desta época da história do cinema: Fritz Lang, Charlie Chaplin, Buster Keaton, Eisenstein, Murnau, etc.

Merry Christmas

2011-12-24T00:36:00.000Z

O estilo de Ryan Gosling em "Drive"

2011-12-23T16:48:00.006Z

Quem viu o filme "Drive" notou, certamente, a forte presença da cultura pop dos anos 80: desde o tipo de letra do genérico, à banda sonora, ao guarda-roupa e ao próprio ambiente geral do filme, tudo em "Drive" respira à década dos "eighties".

Ryan Gosling tem uma interpretação de relevo (co-adjuvado por um bom naipe de actores secundários): é o exímio "driver" de que não se conhece o nome, frio e imperturbável, pose altiva, com um palito ao canto da boca e dono de uns olhos gélidos. Sem quase se dar por isso, o 'condutor' é envolvido numa terrível espiral de violência para defender uma família à deriva...

Para além da interpretação em si, um dos aspectos que outorga mais carisma à figura de Gosling é o guarda-roupa, o qual reflecte toda uma época (para o melhor e pior).

Este site explora ao pormenor o estilo visual de Gosling, desde o já célebre blusão prateado com um escorpião dourado (na imagem), os jeans Levi's, os óculos, luvas, botas e até ao acessório como o relógio. Tudo com marca devidamente registada.

A prova de que um apropriado guarda-roupa é fundamental para atribuir personalidade a uma personagem de cinema.

Robert Capa e "Notorious"

2011-12-23T13:19:00.013Z

"Notorious" (1946) é um dos filmes preferidos dos admiradores de Alfred Hitchcock.

O argumento sobre espionagem em tempo de guerra e o clima de suspense explorado são apenas dois elementos que criaram a mística sobre este filme. Mas há mais: este é, porventura, o filme de Hitchcock no qual os actores principais - fabulosos Cary Grant e Ingrid Bergman - mais se entregaram a fundo, de tal forma que "Notorious" é também lembrado por três tórridas cenas de beijos entre Grant e Bergman.

Só que nessa altura, a actriz sueca mantinha uma paixão assolapada pelo famoso fotógrafo Robert Capa. Ela quis casar-se com ele, mas Capa recusou porque detestava o modo de vida de Hollywood.

Um dia, Robert Capa foi ao set do filme "Notorious" e Hitchcock autorizou que tirasse umas quantas fotografias. Foi o que fez. E para a história ficaram as seguintes quatro fotografias das filmagens deste clássico de Hitch:

Notas de Bresson #11

2011-12-22T23:54:00.001Z

"Que sejam os sentimentos que tragam os acontecimentos. Não o contrário."

Discos que mudam uma vida - 156

2011-12-22T20:28:00.001Z

Danny Elfman - "The Nightmare Before Christmas" (1995)

Woody Allen músico

2011-12-21T23:36:00.004Z

É bem conhecida a paixão de Woody Allen pela música em geral e pelo jazz em particular. Há muitos anos que nos tempos livres do realizador toca clarinete com uma banda ao estilo de Nova Orleães. Ele acha-se um instrumentista sofrível, mas é falsa modéstia.

A sua dedicação à música é de tal ordem que se consta que, em 1987, preferiu tocar ao vivo num clube nova iorquino para um público restrito do que ir receber um Óscar pelo seu filme "Hannah e Suas Irmãs".

Realizado por Barbara Kopple, o documentário "Wild Man Blues" retrata Woody Allen e a sua banda de jazz durante uma digressão europeia em 1997. À medida que Allen e a sua banda sobem ao palco e tocam diante de audiências calorosas em sete países e dezoito cidades, o filme capta a energia e a paixão destes espectáculos, bem como momentos privados da vida de Woody Allen, longe da euforia dos fãs, combatendo o carnaval 'felliniano' das celebridades que o rodeiam.

O documentário é de 1997 e não havia edição portuguesa. Agora a editora Clap Filmes (cada vez mais activa e com excelente catálogo) acaba de lançar "Wild Man Blues" em DVD para gáudio dos fãs de Woody Allen... músico.

PS - A Clap também editou uma caixa com 4 DVDs de Woody Allen.

Há Oliveira e há os outros

2011-12-21T01:21:00.003Z

A idade é um posto, diz-se na gíria popular. E é verdade.

No universo do cinema, apesar do português Manoel de Oliveira liderar a lista mundial dos realizadores mais velhos no activo com os seus (quase) impensáveis 103 anos de idade, outros há que também deitaram para trás das costas a palavra "reforma" e continuam a fazer filmes com a experiência acumulada de muitas décadas de trabalho: Clint Eastwood (81 anos), Alain Resnais (89), Jean-Luc Godard (81), Roger Corman (85), Chris Marker (91), Jacques Rivette (83), Agnès Varda (83), Claude Chabrol (80), Jonas Mekas (88), Frederick Wiseman (81), Jean-Marie Straub (78), Carlos Saura (80), Roman Polanski (78), William Friedkin (76), entre outros.

Cineastas que são verdadeiros modelos a seguir - na vida como na arte - para os jovens aspirantes a realizadores.

Os bilhetes de cinema

2011-12-20T00:30:00.005Z

Durante anos, por aí entre 1990 e 1995, mantive uma mania peculiar (ou talvez nem tanto): a de guardar todos os bilhetes de cinema. Era uma altura em que ia, frenética e religiosamente, todas as semanas ao cinema, numa altura em que ver cinema se restringia a ver um único filme em cartaz durante toda uma semana. Entrar na sala de escura era um ritual. Via tudo: os filmes maus, medianos, bons e muito bons. Tinha o gosto pelo ambiente da sala de cinema e foram anos progressiva aprendizagem (também por causa do cultura de videoclube e dos bons filmes que passavam na televisão) que contribuíram para a minha formação como cinéfilo.

Nesses anos, ainda sem euros, uma ida ao cinema custava 300 escudos (1,5€). Por vezes também assistia às sessões alternativas da meia-noite ao fim-de-semana; não só era mais barato como via grandes filmes clássicos e de autor. Mas na verdade, como só existia uma sala de cinema com um único filme em cartaz durante vários dias, chegava a ir duas e até três vezes ao cinema quando os filmes eram realmente muito bons (com destaque para obras de Scorsese, Coppola, Lynch...). Regressando aos bilhetes: para além de os guardar, escrevia nas costas dos mesmos (como se comprova na imagem), as seguintes informações: título e data do visionamento do filme, e classificação pessoal. Ou seja, atribuía as famosas estrelinhas a cada filme visionado, não fosse esquecer-me, anos mais tarde, se o filme que tinha visto era bom, mediano ou mau. Ainda hoje tenho guardado com nostalgia as centenas de bilhetes correspondentes a outras tantas sessões de cinema.

A título de curiosidade, eis alguns exemplos retirados ao acaso:

(Filme / Data / Classificação pessoal):

"Um Coração Selvagem" - 27/07/1991 - *****

"Família Adams" - 20/12/1993 - **

"A Idade da Inocência" - 16/04/1994 - *****

"A Lista de Schindler" - 10/05/1994 - ****

"A Fogueira das Vaidades" - 10/05/1991 - **

"A Casa da Rússia" - 22/04/1991 - ***

"Goodfellas" - 25/01/1991 - *****

"O Padrinho III" - 22/03/1991 - *****

"Predador 2" - 26/04/1991 - *

"Eduardo Mãos de Tesoura" - 28/06/1991 - ****

"Instinto Fatal" - 18/10/1992 - **

"Uma Questão de Honra" - 9/01/1993 - **

"O Silêncio dos Inocentes" - 1/011/1991 - *****

"Thelma & Louise" - 23/11/1991 - ***

"Um Coração Selvagem" - 28/07/1991 - *****

O poder da Voz Off

2011-12-19T17:28:00.007Z

Há várias formas de contar uma história no cinema. Uma das formas de que gosto mais é através da chamada voz off, ou seja, uma voz que narra os acontecimentos do filme. Curiosamente, este foi um recurso utilizado sobretudo após a segunda grande guerra, com especial desenvolvimento a partir dos anos 80. A voz off confere outra dimensão à dinâmica narrativa e dramática de um filme (mais ainda se o filme em questão for um drama ou um thriller). E uma boa voz representa sempre uma personagem, na forma de papel de narrador passivo ou activo na história do filme. Há vozes que narram a história tão marcantes como os personagens principais dos filmes. Mais: se juntarmos a uma voz carismática um bom texto, inspirado e acutilante, então o efeito é deveras poderoso como veículo comunicacional.

Fiz um esforço de memória e seleccionei alguns filmes, sem critério específico e de forma algo aleatória, cujas vozes off são absolutamente determinantes na consumação da qualidade geral da obra cinematográfica:

Kevin Spacey – “Usual Suspects”

Kevin Spacey - “American Beauty”
Morgan Freeman – “Shawshank Redemption”

Max Von Sydow - "Europa"
Edward Norton – “Fight Club”
Martin Sheen – “Apocalypse Now”
Richard Dreyfuss – “Stand By Me”
Harrison Ford - “Blade Runner”
Woody Allen - “Annie Hall”
F. Murray Abraham – “Amadeus”
Malcoml McDowell – “Laranja Mecânica”
William Holden - “Sunset Boulevard”

Ray Liotta – “Goodfellas”

Barry Humphries - “Mary and Max”
John Hurt - “Dogville”
Tom Hanks - “Forrest Gump”

(voz não creditada) - “O Fabuloso Destino de Amélie”
(voz não creditada) - “How Green Was My Valley”
(voz não creditada) - “Last Year at Marienbad”
(voz não creditada) - “A Barreira Invisível”
(voz não creditada) - “Morangos Silvestres”

(...)

Sonic Youth - O último concerto?

2011-12-18T16:14:00.003Z

Thurston Moore e Kim Gordon, ambos músicos dos Sonic Youth, anunciaram há um mês o divórcio. Devido a este facto, logo surgiram rumores do fim da banda que ambos lideram há 30 anos. Esta semana os Sonic Youth deram um concerto no Festival SWU no Brasil e, ao que consta, terá sido o último do grupo.

Se assim for, aqui fica para a posteridade o registo integral do espectáculo de uma das maiores bandas rock independentes de todos os tempos.

Wagner e Lars Von Trier

2011-12-18T00:39:00.006Z

Um dos grandes contributos para o impacto que "Melancolia" exerce no espectador é a música do compositor Richard Wagner.

Ao longo de todo o filme de Lars Von Trier, a sublime música de Wagner (retirada da obra "Tristão e Isolda") ecoa repetidamente em diversas sequências, acentuando o drama, a inquietação, a deriva emocional dos personagens, até ao devastador final. A música wagneriana possui essa rara qualidade de trazer à superfície as emoções que se escondem na profundidade da alma humana. O realizador dinamarquês soube utilizar o magnífico desígnio que a música de Wagner comporta, e anexá-la às belíssimas imagens de sensibilidade (quase) zen do filme.

"Melancolia" é um filme absolutamente nihilista, sem redenção, acerca do falhanço das relações humanas e da (im)possibilidade do amor e da esperança.

E a música de Wagner, grandiosa e esbelta, enfatiza estas premissas à saciedade. E fico com a sensação de que nunca mais voltarei a ouvir "Tristão e Isolda" sem recordar as expressivas imagens do filme de Lars Von Trier.

Lynch sobre Tati

2011-12-16T18:30:00.005Z

Este excerto de vídeo faz parte do documentário (que infelizmente nunca vi até ao fim) "Once Upon a Time... Mon Oncle", sobre o cinema do grande cineasta francês Jacques Tati.

Neste fragmento podemos ver David Lynch a comentar a arte de Tati, focando-se na forma como o cineasta encena as situações, as relaciona e como utiliza os sons para a construção do humor ("são 50% do filme", refere Lynch). David Lynch revela-se grande admirador da obra de Tati, o que não deixa de ser curioso, dado que ambos têm um universo estético e formal totalmente oposto.

Transhumanismo (no cinema e não só)

2011-12-16T00:18:00.012Z

O Transhumanismo, é uma doutrina filosófica e científica cuja base se cimenta nas tecnologias mais sofisticadas aplicadas a vários ramos do saber, da genética à física, da biotecnologia à filosofia, da cibernética (inteligência artificial) à robótica, da antropologia à medicina ou à neurociência. É uma das áreas do conhecimento humano que mais me têm fascinado nos últimos dez anos. Basicamente, o objectivo do Transhumanismo é melhorar e desenvolver a espécie humana (em termos mentais e físicos) através de todos os meios possíveis e eticamente respeitáveis, nomeadamente, através de uma utilização racional das tecnologias mais avançadas que existem. Contrariar o envelhecimento e aumentar a longevidade, erradicar as doenças degenerativas e mortais, incrementar a inteligência e as capacidades mentais, são algumas das prioridades do Transhumanismo. Ficção científica? Delírios científicos sem exequibilidade real? Nem por sombras. Um dos suportes tecnológicos para o desenvolvimento dos ideais Transhumanistas tem a ver com o aumento na velocidade dos (super)computadores laboratoriais, facto que tornará ainda mais poderosa a fascinante Nanotecnologia, isto é, a manipulação atómica da matéria a nível microscópico (molecular, manipulando átomo a átomo).

Cada célula humana possui centenas de enzimas: máquinas microscópicas capazes de executar a enorme variedade de reacções químicas necessárias à vida. A ideia da nanotecnologia é construir máquinas (ships microscópicos) do tamanho de apenas alguns átomos capazes de executar funções previamente definidas. Por exemplo, um conjunto de nanomáquinas, chamado nanorobot, que execute determinadas tarefas pré-concebidas na resolução de determinados problemas, debelando doenças degenerativas.

Este cenário já tinha sido antecipado pelo conto premonitório do escritor de Ficção Científica Isaac Asimov, cuja adaptação ao cinema resultou no interessante filme “Viagem Fantástica” de Richard Fleischer (1966). Neste filme (vencedor de dois Óscares), um grupo de neurocientistas é miniaturizado - chegando ao tamanho de uma molécula de glicose - e enviado, a bordo de uma nave, ao cérebro de um paciente em coma para o operar, percorrendo para isso a sua corrente sanguínea e todos os perigos inerentes. Hoje em dia, com a nanotecnologia, já é possível à realidade imitar a ficção (mas não ainda nos termos do filme citado). Filmes como "A.I." (2001) de Steven Spielberg parecem ter sido concebidos à luz da ideologia transhumanista.

Apesar do Transhumanismo constituir, por assim dizer, uma das manifestações mais arrojadas da cultura tecnológica do nosso tempo, não é por isso que não deixa de suscitar controvérsia nos meios académicos. Francis Fukuyama, célebre autor dos livros “O Fim da História” e “O Nosso Futuro Pós-Humano” refere que "o Transhumanismo tem das ideias mais terríveis e destruidoras que conheço." Só que Fukuyama não especifica de que forma. Estaria a referir-se à manipulação genética? Aos desafios da clonagem humana? À utilização “errada” da nanotecnologia? À possibilidade (bem real, mas ainda longínqua) da inteligência artificial poder suplantar a inteligência humana, como defendem muitos cientistas? A verdade é que o Transhumanismo, apesar dos seus princípios teóricos de beneficiação da condição humana com base na tecnologia aplicada às ciências (com o intuito de almejar a condição pós-humana), não deixa de levantar questões morais, éticas e até filosóficas.

No fundo, é o homem a brincar a Deus. Será este o caminho do futuro? De qualquer forma, o cinema representou ideias do Transhumanisno praticamente desde a sua génese, muito antes até de se saber o que era o Transhumanismo e o que esta corrente defendia. Estas ideias ficaram sobretudo expostas, directa ou indirectamente, em filmes de Ficção Científica tão marcantes como "Metropolis" até "Avatar".

Eis uma lista de dez filmes essenciais: Link.

Playtime #66

2011-12-14T22:10:00.003Z

A solução: "Querido Diário" (1993) - Nanni Moretti
Quem descobriu: João Palhares e Anónimo

Um filme de terror (cheio de clichés)

2011-12-14T16:30:00.003Z

O que seria do cinema sem clichés?

Os argumentistas dos filmes - sobretudo os filmes de Hollywood - devem andar sempre atrás com um manual de bons clichés para incluir numa parte do argumento para a qual não haja uma solução particularmente inspirada.

Por exemplo, imaginemos que eu queria escrever um argumento para um filme de terror seguindo determinados lugares-comuns do género. Bastaria consultar o manual dos clichés deste tipo de filmes. E ficaria algo como isto:

Uma família muda de cidade por causa de um determinado episódio traumático no seio dessa família (traição de um dos conjugues, morte de um ente querido, divórcio…). A família compra uma velha mansão barata nos subúrbios que tem de restaurar. Sobre essa mansão existem rumores de que houve, décadas passadas, mortes e/ou suicídios e que está assombrada. Alguém avisa a família deste facto, mas não liga. Consta-se que almas penadas vagueiam pela casa assombrando os novos inquilinos através de ruídos, movimento de móveis ou outros fenómenos aparentemente paranormais e ameaçadores. A família tem um filho pequeno que pode servir de intermediário do ambiente de tensão sentido. Os pais, inicialmente, incrédulos com os acontecimentos, recorrem às autoridades que não resolvem a inquietação geral sentida naquela casa.

A mulher, ainda nova e esbelta, levanta-se a meio da noite, vestida com uma camisa de dormir semi-transparente, porque ouviu um ruído estranho. Uma sombra ameaçadora esconde-se por detrás dela sem notar. Volta para a cama desconfiada... Umas noites depois, é o filho de 6 anos que se levanta e vai ter à cama dos pais porque teve pesadelos. Até que uma noite especialmente tormentosa (uma tempestade de chuva e trovoada) se abate sobre a casa e o ambiente de medo e terror se torna insustentável. Alguma força medonha desconhecida ameaça de morte aquela inocente família. Essa força (pode ter várias formas físicas, mais ou menos terroríficas) ataca o pai de família e esventra-o. Uma poça de sangue fica no meio do chão.

A mãe e o filho, perante o horror, fogem para o sótão. Mas mal imaginam que esse local, aparentemente seguro, é o ninho do terror da mansão...

_________

O esboço do argumento está escrito, previsível e banal, mas há muitos filmes de terror que seguem, grosso modo, estas premissas.

E já que falamos de clichés, eis uma lista interessante de 50 clichés do cinema.

Ferrara?

2011-12-13T22:11:00.003Z

Parece que o ex-presidente do FMI, Dominique Strauss-Khan, alegadadamente envolvido em vários escândalos sexuais, vai ver a sua vida adaptada ao grande ecrã.

Que o actor francês Gérard Depardieu seja apontado para o papel de Strauss-Khan, não me admira (até pelas óbvias parecenças físicas e pelo inegável talento de Depardieu). O que já me inspira desconfiança e me deixa assaz surpreso é constatar que o realizador considerado para realizar este "biopic" seja... Abel Ferrara!

Memórias de um pré-cinéfilo

2011-12-13T12:17:00.010Z

Os meus pais eram emigrantes em França e vivi até aos sete anos de idade em pleno centro de Paris, na Rue Marbeuf, nº14, uma transversal da célebre Avenida dos Campos Elísios. Foi lá, em França, quando era um miúdo, que o meu gosto pelo cinema emergiu. A minha irmã, oito anos mais velha, lembra-se de vermos juntos na televisão o clássico “King Kong” (1933). Teria cerca de cinco anos e ela diz que eu parecia hipnotizado em frente do televisor, os meus olhos brilhavam de fascínio e tocava com o dedo no ecrã para tentar “mexer” no gorila gigante.

Lembro-me também de ver clássicos da Disney, como “Fantasia” e “Peter Pan” em sessões de fim-de-semana. Aquele imaginário visual ficou incrustado em mim. Mais: a escola primária onde estudava ficava mesmo ao lado dos escritórios da produtora “Les Films du Carrosse” do realizador François Truffaut. Uma tia minha trabalhava nesses escritórios e eu cheguei a frequentá-los quando saía da escola. Uma vez mais, a minha irmã, recorda-se de me ver a olhar, fascinado, para os grandes cartazes de cinema expostos nas paredes. Creio que nunca me cruzei com Truffaut, mas mesmo que o não tenha feito, a esta distância, sinto-me feliz por ter tido a oportunidade, em criança, de ter entrado no universo do cineasta de “Os 400 Golpes”.

Cultura e agricultura

2011-12-12T19:07:00.001Z

O escritor Gonçalo M. Tavares foi entrevistado na TVI.

Para além de ser um dos mais importantes escritores portugueses da actualidade, é também um dos mais premiados e reconhecidos dentro e fora portas. E é também um óptimo conversador, explanando as suas ideias sobre literatura, o homem e o mundo de forma clara e explícita (sei porque também já assisti a uma tertúlia com ele).

Nessa curta entrevista, a páginas tantas, o escritor fez uma curiosa analogia entre cultura e... agricultura. Referia-se ao amadurecimento do tempo que as coisas boas levam a construir. Ou seja, na agricultura lançam-se as sementes à terra e durante semanas ou meses pouco ou nada acontece, até que surgem os frutos dessas sementes. Na cultura, o processo é idêntico: tem de se investir neste campo o mais possível, editando livros, incentivando os jovens à leitura, para que ao fim de um certo tempo (médio ou longo), surjam os devidos e positivos frutos.

Também partilho esta ideia de que a cultura é um processo lento do qual se retiram proveitos a médio ou longo prazo. Um processo paulatino que promove o enriquecimento do espírito e da formação harmoniosa do indivíduo. Como o agricultor que espera o tempo necessário até que as videiras dêem suculentas uvas.

Envelheceram bem

2011-12-11T22:35:00.011Z

Lisa Gerrard (Dead Can Dance)

Lydia Lunch

Kim Gordon (Sonic Youth)

Elizabeth Fraser (Cocteau Twins)

Siouxsie Sioux (Siouxsie & The Banshees)

O legado de Eisenstein

2011-12-11T15:42:00.010Z

Encontrei este livro na Fnac: "Eisenstein on the Audiovisual: The Montage of Music, Image and Sound in Cinema" de Robert Robertson. Só conhecia de nome esta obra (vi-a referenciada num site internacional de cinema), visto que o seu autor é um compositor e cineasta que goza de alguma reputação nos circuitos mais académicos. O tema do livro constituiu a base da tese de doutoramento de Robertson no prestigiado King's College de Londres.

Nesta obra ensaística, o autor disserta sobre a influência decisiva que o russo Eisenstein exerceu sobre a história da sétima arte sob o ponto de vista da montagem, música e som no cinema e na produção audiovisual subsequente. Robert Robertson disserta ainda sobre o impacto que as teorias e a estética de Eisenstein tiveram em áreas tão diversas como o teatro, a dança, a ópera e a arte multimédia.

O livro está à venda na Fnac por 21€.

(Nota curiosa para a capa original do livro: O cineasta a fazer a barba no topo de um edifício em Nova Iorque).

Discos que mudam uma vida - 155

2011-12-10T01:33:00.002Z

Laurie Anderson - "Big Science" (1982)

Cinemateca desproporcional

2011-12-09T00:23:00.005Z

A Cinemateca Portuguesa é uma das instituições nacionais mais importantes na divulgação, preservação e promoção do cinema em Portugal. Sem a sua existência e o serviço público que presta, a cultura cinematográfica em Portugal não teria sido a mesma nas últimas décadas. Como vivo longe de Lisboa, um amigo cinéfilo da capital deu-me o jornal com a programação da Cinemateca. Programação, diga-se, de altíssimo nível e qualidade (como é habitual), com destaque para a restrospectiva integral do realizador Nicholas Ray.

Ora, não só fiquei impressionado com a qualidade dos filmes propostos, como também fiquei atónito com a respectiva... quantidade. Isto porque me dei ao trabalho de contar o número de sessões de cinema só durante este mês de Dezembro e o número total é: 108. Cento e oito filmes entre 2 e 30 de Dezembro! Por vezes com 6 exibições num só dia! Pergunto: por mais interessantes que sejam os ciclos e os filmes (que são), acho que é desproporcional - e até contraproducente - esta quantidade enorme de filmes num só mês, mesmo tratando-se de Lisboa, a capital do país. Afinal de contas, qual é o cinéfilo que consegue acompanhar, no mínimo que seja, um terço dos filmes programados? Só quem não tenha vida própria e consiga (por absurdo) comer e dormir na Cinemateca...

A Lego e o cinema

2011-12-08T17:14:00.013Z

Quando era miúdo gostava de brincar com Lego, os bonequinhos que se podem moldar a cada novo contexto. Apreciava, sobretudo, os Legos cowboys e índios, com os seus cavalos e acampamentos, e inúmeros acessórios que davam vida aos bonecos. A imaginação infantil soltava-se e as brincadeiras jorravam sem parar.

A marca Lego tem proporcionado bons momentos de recriação do imaginário cultural das últimas décadas, desde capas famosas de discos ou fotografias que fizeram história. Mas o tipo de recriação que mais me agrada é aquele que tem a ver com determinadas cenas de filmes. Ou seja, a Lego recria momentos marcantes de filmes célebres através de uma encenação cuidada dos bonecos e dos cenários.

Como provam estes exemplos:

"Inception" (2010)

"The Shining" (1980)

"Tempos Modernos" (1936)

"Psycho" (1960)

"O Bom, O Mau e o Vilão" (1966)

"A Laranja Mecânica" (1971)

"American Beauty" (1999)

Os (alucinantes) Shining

2011-12-07T23:32:00.006Z

Aviso: esta música não é para todos.

Os noruegueses Shining (não confundir com o filme de Kubrick) são uma superbanda - com 10 anos de existência - que fazem uma improvável fusão de rock progressivo, metal e... jazz. Um mistura muito arriscada e corajosa, uma vez que, aparentemente são géneros inconciliáveis. Eu gosto de rock progressivo (facção krautrock alemão) e de jazz; gosto menos de metal (há muitas poucas bandas realmente originais dentro do género), mas gosto de ser surpreendido por fusões de estilos. E este é manifestamente o caso. E o resultado desta fusão estética é, no mínimo, explosivo. Nota-se que os Shining (liderados por um saxofonista com formação jazzística) são músicos muito bem dotados tecnicamente que arquitectam uma máquina impressionante de ritmo e energia sem concessões. Ou se adere de forma entusiástica ou provoca repulsa no ouvinte.

Pessoalmente, gosto destas provocações sonoras e de ser abalado com este tipo de turbilhão musical. É como se os Shining misturassem, numa trituradora sonora, os Naked City de John Zorn, o jazz de Ornette Coleman e o avant-rock mais extremo. Esta banda oriunda da Noruega editou, recentemente, o álbum ao vivo "Live Blackjazz", que tem sido altamente elogiado pela crítica especializada..

Voltando ao início: esta música não é para todos.

Os últimos momentos de Mozart

2011-12-07T20:58:00.005Z

O filme "Amadeus" (1984), de Milos Forman, contém muitas cenas de enorme brilhantismo e intensidade. A música do genial Mozart escorre pelo ecrã como cascata de puro deleite auditivo. É um dos melhores filmes jamais feitos sobre o poder da música. Das muitas cenas fortes desta obra ímpar, há uma de que gosto particularmente: aquela que diz respeito aos últimos dias de vida do compositor austríaco, quando foi obrigado, por razões financeiras, a compor a sua última e derradeira obra - "Requiem".

Mozart, deitado na cama, exausto, febril e doente, dita uma secção musical importante do "Requiem" a Salieri, o "Confutatis".

Tom Hulce é brilhante na forma como encarna um Mozart moribundo mas ainda com surpreendente energia criativa. Mozart dita, de cabeça, a melodia e a harmonia a Salieri (um não menos brilhante F. Murray Abraham), que a transcreve para a partitura com tocante entusiasmo. É um puro e maravilhoso processo de ensino-aprendizagem, de transmissão de saberes do mestre para o aprendiz.

Maravilhosa é também a forma como Milos Forman encena toda a sequência, introduzindo a música nos momentos em que Mozart a dita - como se o compositor a estivesse "mesmo" a ouvir. Historicamente, não se sabe se este momento corresponde, em rigor, a factos verídicos. Mas nem isso interessa muito. É um momento intenso, de pura e rara manifestação superior de criatividade e expressão da arte genial que foi apanágio de Amadeus Mozart, aqui representado nos seus últimos momentos de vida criando uma obra de portentosa emanação emocional - o "Requiem".

Notas de Bresson #10

2011-12-07T00:31:00.003Z

"A palavra mais vulgar, quando usada na situação certa, adquire um brilho especial. É esse brilho que eu quero que as minhas imagens transmitam".

Quem nunca viu um filme com estes actores que atire a primeira pedra

2011-12-06T22:31:00.008Z

Steven Seagal

Jean-Claude Van Damme

Dolph Lundgren

Chuck Norris

Glass remisturado

2011-12-05T22:59:00.006Z

Philip Glass, um dos maiores compositores vivos (muitas vezes comentado neste blogue), vai cumprir 75 anos no dia 31 de Janeiro de 2012.

Para comemorar a data e servir, ao mesmo tempo, de homenagem merecida, está a ser preparado um disco de remisturas de obras de Glass por parte de alguns dos maiores nomes da música electrónica actual: Amon Tobin, Tim Hecker, Memory Tapes, Cornelius e Tyondai Braxton (dos Battles). A produção do disco é da responsabilidade do músico Beck.

Aguardemos, pois, com muita expectativa, o resultado aliciante e promissor projecto.

O controverso Lars Von Trier

2011-12-05T22:15:00.012Z

A revista Sábado publicou uma reportagem sobre o realizador Lars Von Trier, a propósito da estreia nacional do seu último filme, "Melancolia" (que irei ver dentro de dias). A dita reportagem explora as polémicas e curiosidades mais insólitas do cineasta dinamarquês.

Resumidamente, é isto:

- Foi criado em campos de nudistas.

- Fez (e vai continuar a fazer) filmes pornográficos.

- Desenvolveu depressões e várias fobias: não anda de avião, evita o metro e tem pavor de doenças e hospitais.

- Odeia conferências de imprensa: "Sinto-me como num espectáculo de standup comedy. Não posso pedir desculpa por algo que disse com humor, com sarcasmo. Esse sou eu".

- As actrizes odeiam-no e ele odeia as actrizes.

- Abandonou uma mulher grávida para ficar com a empregada doméstica.

- Os críticos dizem dele: "´´E desalmado, sádico e ruim, até não poder mais".

- As actrizes queixam-se de serem desrespeitadas, mas todas ganham prémios pelas interpretações.

- "Não torturei a Nicole Kidman, mas sei que ela disse que sou duro".

- "Tento irritar a minha mãe - a grande cabra - em todos os filmes. Ainda que ela já tenha morrido, tem muita influência. Cada filme que faço é, basicamente, uma tentativa de a provocar".

- Os pais não lhe impunham regras e deixavam-no fazer quase tudo o que queria.

- Em criança Lars foi vítima de bullying e tornou-se um miúdo assustado e gozado pelos colegas.

- Quando fez 18 anos, acrescentou 'Von' ao seu nome, porque queria relacionar-se com a aristocracia.

- Quando o produtor de "Melancolia" lhe pediu para reduzir o filme em dois minutos, tornou-o dois minutos mais longo.

- Quando escreve os guiões, Lars escreve, sublinha e desenha nas paredes antes de passar tudo para o papel.

- O próximo projecto do realizador é "The Nymphomaniac", um regresso ao cinema pornográfico: "Vai ser um filme hardcore, porque não posso fazer um filme sobre a evolução sexual de uma mulher de zero a 50 anos sem mostrar penetração".

Díptico - 85

2011-12-05T16:21:00.000Z

[Já tinha saudades de um bom díptico]

Filme inédito de Buñuel

2011-12-04T21:25:00.006Z

É uma notícia muito interessante para os amantes de Luis Buñuel, em particular, e para os cinéfilos, em geral: o jornal espanhol El País divulgou a notícia de que foi encontrado, nos arquivos da Filmoteca Espanhola (Madrid), um documentário inédito do cineasta espanhol. Esse documentário foi realizado nos primeiros anos da estada de Buñuel nos EUA, numa altura em que trabalhava no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA) para sobreviver.

Buñuel filmou momentos familiares (com a mulher e os dois filhos) num Verão quente em plena Manhattan e algumas imagens podem ser vistas aqui.

Genealogia de Fotogramas #14

2011-12-03T23:17:00.025Z

"Eraserhead" (1977) - David Lynch

Finalmente em DVD nacional

2011-12-03T16:02:00.003Z

Era uma falha clamorosa no mercado de DVD nacional: finalmente é editado o glorioso filme "A Sombra do Caçador" (1955), única incursão do actor Charles Laughton na realização. Mítica história sobre o ódio e o amor, a redenção e o pecado, a inocência e infância, "A Sombra do Caçador" revelou um medonho e portentoso Robert Mitchum, numa obra que extravasa classificações e análises, feita de arrojo estético fruto da utilização de uma fotografia soberba - ao estilo expressionista alemão.

À altura da estreia foi um rotundo fracasso comercial e percebe-se porquê: em meados dos anos 50, o mundo não estava preparado para este objecto raro da história do cinema, misto de pesadelo e sonho.

Há muito tempo com edição estrangeira, chegou agora o DVD nacional, para ver ou rever à saciedade este filme de culto intemporal.

"Soy Cuba"

2011-12-01T18:21:00.012Z

Caro leitor cinéfilo: nunca cometa a imprudência de dizer que já viu (ou conhece) todos os grandes filmes da história do cinema. Há-de haver sempre um ou outro grande, enorme, magnífico filme que nunca viu. Foi o que me aconteceu.

Numa conversa com um professor de cinema da Universidade da Beira Interior, fiquei a conhecer um filme, praticamente esquecido nos anais da história, que ele dizia ser uma obra-prima rara. Esse filme tem por título "Soy Cuba" e foi realizado em 1964 pelo realizador russo Mikhail Kalotozov.

Durante a guerra fria "Soy Cuba" não foi exibido nos Estados Unidos (por questões políticas). Por ironia, saiu do limbo graças a dois cineastas norte-americanos, Francis Ford Coppola e Martin Scorsese, que promoveram a estreia do filme nos EUA em 1995, depois de terem ficado fascinados ao ver esta obra numa mostra de cinema russo desse ano. Coppola e Scorsese decidiram batalhar pela restauração e pelo relançamento mundial de "Soy Cuba".

Mas que filme é, afinal, "Soy Cuba"? No início dos anos de 1960, o realizador soviético Mikhail Kalatozov, filmou em Cuba esta superprodução que pretendia ser uma poderosa arma de propaganda para divulgar a revolução cubana. No entanto, foi ignorado após a sua estreia em Havana e Moscovo e ficou desconhecido pelo público no Ocidente até à sua redescoberta nos anos 90 pelos dois cineastas norte-americanos. O filme é um documentário sobre os momentos chave da história revolucionária de Cuba, mostrando o povo e a burguesia, as tradições das festas e do trabalho, da vida e da morte.

Kalatozov conseguiu um filme de uma extraordinária ambição estética. Filmado numa bela fotografia a preto e branco, a sua realização é absolutamente única, virtuosa e original, de uma mestria que faria corar de inveja o próprio Orson Welles pela sua realização de "Touch of Evil". O realizador russo usou movimentos, planos e ângulos de câmara raramente vistos, fazendo com que a câmara parecesse voar ou pairar sobre os acontecimento que filmava. Há momentos em "Soy Cuba" de pujante beleza plástica, de pura poesia visual, como nesta espantosa sequência (em baixo) que filma um funeral. Não me perguntem como é que Kalatozov filmou esta sequência sem cortes como se a câmara voasse como uma pena. A verdade é que o resultado (ao som de Ravel) é qualquer coisa de assombroso. E o filme está recheado de momentos como este.

"Soy Cuba" é um fabuloso monumento de cinema, muito pouco conhecido por causa do seu conteúdo ideológico e pelas circunstâncias descritas. Mas isso pouco interessa, porque é forçoso que o seu valor artístico seja reconhecido e apreciado por todos os que dizem gostar de cinema.

Clássicos do Cinema em BD para Pessoas com Pressa #34

2011-12-01T14:57:00.000Z

Tarantino no Irão

2011-11-30T15:00:00.006Z

As manifestações populares realizadas ontem no Irão revelaram algumas situações bem curiosas, como a que documenta esta imagem: jovens ostentam um grande cartaz com os dois protagonistas do filme "Pulp Fiction" de Quentin Tarantino.

Só não se percebe se o dito cartaz tinha como intenção simbólica disparar contra a polícia de intervenção, ou se seria para mostrar ao mundo a violência veiculada pelo "infiel" cinema ocidental.

Uma nova era para a imagem

2011-11-29T23:15:00.006Z

Desde que conheci o alucinante e inovador espectáculo visual, "ISAM", do Amon Tobin que comecei a interessar-me, mais a sério, pela criação visual virtual e de "video mapping". Com a tecnologia digital e multimédia disponível, de há uns anos para cá, tem surgido uma nova geração de artistas visuais que inovam nos conceitos de espectáculo multimédia. A ambição é de tal ordem que já não chega apresentar os trabalhos em salas de espectáculos convencionais. Têm de ir para o exterior, aproveitando as fachadas de enormes edifícios para os transformar e lhes dar, digamos, "vida" (também recorrendo à tecnologia 3D).

O resultado é quase sempre um trabalho colossal de programação informática ao mais alto nível da sofisticação, um deslumbramento visual impensável há meia dúzia de anos atrás. É todo um mundo novo de imagens e experiências audiovisuais que se abre, com possibilidades plásticas e estéticas impressionantes. Há já, até, festivais internacionais dedicados a esta nova tendência artística. Já conhecia algumas experiências do género, mas fiquei hoje deveras impressionado quando me mostraram o vídeo em baixo. Trata-se de um colectivo de 4 artistas designado AntiVJ (considerado um dos melhores do mundo) que se dedica a intervir em espaços abertos, construindo para tal, trabalhos virtuais que desafiam o olhar.

Basicamente, é isto: uma projecção virtual de 5 minutos numa enorme fachada (lisa) de um prédio. O som e a música são essenciais para perceber a dimensão artística do feito (a sincronia entre imagem e som é perfeita). Há um imprevisível processo de metemorfose de formas, construção e desconstrução de linhas e texturas, como se do nada surgisse matéria e se transformasse a cada novo segundo. O público assiste ao vivo - certamente atónito - a toda esta parafernália visual. Dada a complexidade deste trabalho e ao facto de ser uma produção muito cara, apenas tem 5 minutos de duração, dos quais os últimos dois são verdadeiramente incríveis (o ideal é ver em ecrã cheio e com o volume de som elevado).

Uma nova era da imagem já começou, portanto.

O Homem Que Sabia Demasiado

"O Pássaro Pintado"

Philip Glass - 75 anos

Kubrick vs Scorsese

Claustrofobia num elevador

As semelhanças

"Klip"

Monty Python!

Resnais: Auschwitz e Marienbad

Cinema português: a encruzilhada

Estreias aos pontapés

Saudades das férias

Facelift

Playtime #68

"I Will Find You"

O adeus a Theo

Música para grutas

"Inception" by... Fritz Lang!

A saga dos "biopics"

Os filmes de Payne

Discos que mudam uma vida - 157

Requiem pelo MOTM

Genealogia de Fotogramas #16

A lista de Tarantino

Lumière e Glass

O olhar visionário de Godard

O navio onde Godard filmou

Lech Walesa no cinema

O horror em estado puro

A cor fica-lhes tão bem

O cinema e os videojogos

Um taxista em Nova Iorque

Elvis para todos os gostos

O som no cinema

Adoptar ou não adotar

Notas de Bresson #12

As próximas grandes estreias

A comédia clássica em livro

A morte nos filmes de Hitchcock

Clássicos do Cinema em BD para Pessoas com Pressa #35

As imagens de Chris Marker

Josh Cooley e as cenas de filmes

A banda irlandesa em documentário

Dennis, John e John

Os filhos de grandes realizadores

A eterna Marilyn Monroe

Discos que mudam uma vida - 156

A Vida é Bela

Música - Desejos para 2012

Cinema - Desejos para 2012

Playtime #67

Dez grandes filmes nunca realizados

Top 2011 - Os posters de cinema

Novo ano

A carnificina de Polanski

Óscares: o cartaz (conservador)

Top 2011 - Os filmes

Cheetah

Top 2011 - Os livros

Top 2011 - Os discos

O balanço a chegar

Um génio esquecido

Genealogia de Fotogramas #15

"The Artist" - O filme mudo

Merry Christmas

O estilo de Ryan Gosling em "Drive"

Robert Capa e "Notorious"

Notas de Bresson #11

Discos que mudam uma vida - 156

Woody Allen músico

Há Oliveira e há os outros

Os bilhetes de cinema

O poder da Voz Off

Sonic Youth - O último concerto?

Wagner e Lars Von Trier

Lynch sobre Tati

Transhumanismo (no cinema e não só)

Playtime #66

Um filme de terror (cheio de clichés)

Ferrara?